Предметный мир Древней Руси. Эмаль в древней руси
Перегородчатые эмали древней Руси: marjer
Замечательное искусство древнерусских ювелиров эпохи Ярослава Мудрого и Владимира Мономаха поражало европейских путешественников, посещавших Русь в те времена. За долгие века оно было забыто. Однако усилиями отечественных археологов в XIX-XX столетиях творения древних мастеров обрели новую жизнь. Из-под земли были добыты сотни и тысячи украшений, созданных мастерами X - начала XIII в. Выставленные в витринах музеев, они способны зачаровать современную модницу и вызвать глубокое, искреннее восхищение художника. В древние времена Русь испытывала влияние сразу нескольких развитых культур. В средневековом Киеве целые кварталы были населены иноземцами: греками, евреями и армянами. Суровые воины и ловкие торговцы из Скандинавии принесли в русские земли тонкое языческое искусство эпохи викингов. Торговцы с Востока - красочный и замысловатый орнамент, столь любимый в странах ислама. Наконец, христианство, принятое от могущественной Византийской империи, раскинувшейся на берегах Средиземного и Чёрного морей, связало Русь с высокой художественной культурой этого государства. Византия была в те времена светочем цивилизации в варварской Европе и хранительницей древних знаний, завещанных эпохой античности. Но наряду с христианством Русь в течение нескольких веков сохраняла стойкие языческие традиции. Сложная, высокоразвитая религиозная система восточнославянского язычества стала важным источником творческой фантазии древнерусских живописцев, скульпторов и ювелиров. Монголо-татарское нашествие оказалось гибельным для многих секретов ювелирного искусства. Владевшие ими мастера сгинули в лихую годину Батыева разгрома или были угнаны ордынцами для обслуживания их правителей. Целое столетие мастерство древнерусских ювелиров находилось в упадке, и лишь в середине - второй половине XIV в. началось его медленное возрождение. ЮВЕЛИРНЫЕ ТЕХНИКИ В эпоху, когда Киев был столицей Древнерусского государства, восточные славянки любили украшать себя множеством драгоценностей. В моде были литые серебряные перстни с орнаментом, витые браслеты из серебряной проволоки, стеклянные браслеты и, конечно же, бусы. Они были самые разнообразные: из цветного стекла, горного хрусталя, сердоликов и рубинов, крупных полых бусин из литого золота. К ним привешивались круглые или лунообразные бронзовые подвески (лунницы), украшенные тонким орнаментом: невиданными волшебными зверями в скандинавском стиле, сложными плетёными конструкциями, очень напоминающими изображения на арабских дирхемах -- монетах, которые в те времена имели хождение как на Руси, так и в Европе. Но самыми популярными украшениями были височные кольца. Литые серебряные височные кольца вплетались в женскую причёску у висков или подвешивались к головным уборам, их носили по одной или по нескольку пар сразу. У каждого восточнославянского племени, вошедшего в состав Киевской державы, был свой особый тип височных колец, непохожий на такие же украшения соседей. Женщины племени северян, например, носили изящную разновидность колец, похожих на завиток или сплющенную спираль. Радимичам больше нравились височные кольца, у которых от дужки расходилось семь лучей, заканчивавшихся каплевидными утолщениями. На височных кольцах вятичей, которые были одними из самых декоративных, вместо лучей было по семь плоских лопастей. Горожанки XI-XIII в. больше всего любили колты - парные полые золотые и серебряные подвески, которые крепились цепочками или лентами к головному убору. Многие дошедшие до наших дней колты отличаются удивительным совершенством формы. В 1876 г. близ деревни Терехово Орловской губернии в богатом кладе было обнаружено несколько пар колтов XII - начала XIII в. Они представляют собой массивные пятилучевые звёзды, густо покрытые тысячами напаянных мельчайших шариков металла. Подобная ювелирная техника именуется зернью; она пришла из Скандинавии и была широко распространена в Древней Руси. Наряду с зернью использовалась и скань: тончайшая серебряная или золотая проволочка, скрученная жгутами, напаивалась на пластины или свивалась в ажурные узоры. В 1887 г. на территории древнего Михайловского Златоверхого монастыря был найден другой клад ювелирных украшений XI-XII вв., в том числе пара золотых колтов. Колты были украшены речным жемчугом и изображениями фантастических птиц с женскими головами. Цвета изображений не потеряли яркости, а их сочетание на редкость изысканно: белый, бирюзовый, тёмно-синий и ярко-красный. Между тем создавший это великолепие мастер умер около восьми столетий назад. Михайловские колты выполнены в виртуозной ювелирной технике перегородчатой эмали, которая была перенята у византийцев. Это забытое искусство требовало терпения и поразительной точности в работе. На поверхность золотого украшения ювелир напаивал на ребро тончайшие золотые ленточки-перегородки, составлявшие контур будущего рисунка. Затем ячейки между ними заполняли порошками эмали разных цветов и нагревали до высокой температуры. При этом получалась яркая и очень прочная стекловидная масса. Изделия, выполненные в технике перегородчатой эмали, были очень дороги, поэтому не случайно большинство сохранившихся до наших дней произведений являются деталями дорогого княжеского убора. Другой излюбленной техникой древнерусских ювелиров было чернение, которое, по мнению некоторых учёных, являлось хазарским наследием. Чернь представляла собой сложный сплав олова, меди, серебра, серы и других составных частей. Нанесённая на серебряную поверхность, чернь создавала фон для выпуклого изображения. Особенно часто чернение использовали при украшении створчатых браслетов-наручей. Несколько десятков таких браслетов XII в. хранится в Государственном историческом музее. На них нетрудно различить фигуры музыкантов, танцовщиц, воинов, орлов и фантастических чудовищ. Сюжет рисунков далёк от христианских представлений и гораздо ближе к язычеству. Это и не удивительно. Ювелиры применяли эмаль или чернь как для изображения Христа, Богородицы, святых, так и для грифонов, собакоголовых чудищ, кентавров и языческих празднеств. Были как чисто христианские, так и чисто языческие украшения, которые являлись предметами религиозных культов. Сохранилось множество нагрудных крестов-энколпионов, состоящих из двух створок, между которыми помещались частички мощей святых. На створках обычно бывало литое, резное или чернёное изображение Богоматери с Младенцем. Не менее часто археологи находят языческие амулеты - предметы, оберегавшие от болезней, бед и колдовства. Многие из них представляют собой литые фигурки конских голов, к которым цепочками крепятся "бубенчики", выполненные в форме зверей, птиц, ложек, ножей и ухватов. Своим звоном бубенчики должны были отгонять нечистую силу.
marjer.livejournal.com
Предметный мир Древней Руси.
Геополитическое пространство Древней Руси—Восточно-Европейская равнина —находилось на стыке восточного и западного миров. Поэтому формирование русского этноса и его самобытной культуры происходило под мощным влиянием разнонаправленных цивилизационных факторов. С одной стороны, мощное влияние оказывала древнегреческая и древнеримская культура, которая распространялась на северном побережье Чёрного моря и в Приазовье благодаря колонизации этих земель и созданию там городов-крепостей. С другой стороны, со стороны Востока, Великой степи на территорию, занятую славянами, переодически накатывались волны кочевников: хазар, скифов, сарматов, половцев, печенегов и.т.д.
Прародителями русского этноса являются восточные славяне анты (поляне). Исторические источники говорят о том, что уже в XV в.н.э. восточные славяне имели заметные успехи в области материальной культуры: знали секреты обработки металла, земледельческие орудия.
Развитие торговли предполагает относительно раннее существование у восточных славян городов. Летописи не приводят времени их появления. Они были «изначала»: Новгород, Полоцк, Ростов, Смоленск, Киев. Все эти города расположены на речных, торговых путях. В скандинавских странах IX в. Древняя Русь называлась страной городов— «Гардарикой».
Образованию государств у восточных славян способствовали следующие предпосылки: во-первых, разложение первобытнообщинного строя вело к дальнейшему росту частной собственности и имущественному неравенству; во-вторых, формирование публичной власти (князь, дружина) и отстранения большинства населения от управления общественными делами; в-третьих, становление территориального единства в результате объединения славянских племён; в-четвёртых, необходимость совместными усилиями племён защитить славян от внешней опасности со стороны враждебной Степи. Эти факторы и подготовили создание государства. Восточнославянское общество VIII-IX вв.н.э. вплотную подошло к образованию государства.
На основании византийских и арабских авторов можно судить об образе жизни древних славян. С ранней молодости они учились переносить жару, холод и недостаток пищи, они были нрава доброго и гостеприимны. Выходя из дому, славянин не запирал дверь и на столе оставлял разную еду, на случай если зайдёт странник. Византийские историки пишут, что славяне были храбрыми воинами и имели особенное искусство владения оружием—мечами, дротиками, стрелами, намазанными ядом. Весьма характерно отношение в славянских племенах к женщине.
Женщина, как и у многих древних народов, почиталась, как хранительница очага. Именно женщина занималась обустройством жилища и приготовлением пищи. И в то же время, как отмечает Н.М.Карамзин, женщину считали безответной рабыней. В случае смерти мужа женщина должна была следовать за ним и служить ему на том свете. У славян существовал обычай, по которому невесту похищали и потом платили за неё «вено» (плата родным невесты). Существовал также обычай многожёнства, по этому обычаю славянин мог держать по две, по три жены и больше. Но за каждую жену приходилось платить «вено», поэтому больше одной жены держали только люди богатые. Надо заметить, что с принятием христианства этот обычай был утрачен.
Основой питания у древних славян был хлеб. Это подтверждают и археологические находки—дома с печами для выпечки хлеба, глиняные сосуды для хранения зерна, зернотерки. Хлебом называли не только печёный хлеб, но и зерно. Хлебные злаки славяне употребляли в пищу либо в виде размоченных и поджаренных зёрен, либо в виде муки, из которой на воде или молоке варили кашу.
Раскопки позволяют представить облик древнего славянского жилища. Славяне жили в полуземлянках с бревенчатыми стенами, крыша была обмазана глиной, её скаты почти касались земли. Внутри—глинобитная или каменная печь, которая топилась по-чёрному, т.е. без дымохода. Площадь жилья составляла от 10 до 20м2.
Славянам не было чуждо чувство прекрасного: они украшали резьбой и яркими красками свои жилища. Особенно искусны были славянские мастера в создании ювелирных изделий. Подвески, серьги, фибулы, височные кольца были в виде спиралей, перстней и.т.д. Именно навыки славянских художников-ювелиров этого периода были восприняты в первую очередь ювелирами Киевского государства, прославившимися на весь мир своим высоким мастерством.
Художественная культура Киевской Руси выросла на византийской почве. Она стала прологом будущей истинно национальной, неповторимой и абсолютно новой, реализованной в Древнем Новгороде и во Владимиро-Суздале культуры. Интенсивная художественная жизнь собственно Киева началась с утверждения православия. Христианство оказало огромное влияние на развитие в XI—XIII вв. культовой архитектуры—храмов и монастырей.
Новым образом мира явилась древнерусская архитектура. Русские мастера, взяв за основу крестово-купольную конструкцию, дополнили ее элементами русского деревянного зодчества, придали храмам многоглавие и пирамидальность.
Строительство крупных архитектурных сооружений сопровождалось быстрым развитием монументальной живописи. Мозаика киевской Софии, Десятинной церкви, Успенского собора, Киево-Печерского монастыря, фрески киевской Софии, черниговского Спаса и других соборов говорят об освоении русскими мастерами сложных видов декоративного искусства.
Отличительной чертой зодчества домонгольского периода являлась монументальность форм. В понятие «монументальность» входят:
крупный масштаб сооружений;
особая структура линий, которая отдаленно напоминает античную классику.
Примером такого монуметального сооружения является храм Св. Софии в г. Киеве (заложен князем Ярославом Мудрым в 1037 г.). Стены киевских соборов украшались мозаиками и фресками, выполненными приезжими греческими мастерами. Их отличали простой лаконичный изобразительный язык и условность фигур. Наиболее известной мозаикой Софийского собора является «Оранта», т. е. изображение Богородицы в молитвенной позе с поднятыми вверх руками.
Иную художественную традицию, манеру и технику росписей мы встречаем в культуре Владимиро-Суздальской Руси. Эта традиция складывалась под влиянием городской посадской культуры и торгово-ремесленной среды. Главной культурной доминантой Владимира и Суздаля был храм, который воспринимался не только как сообщество верующих людей, в котором отражалось соборное или общее мнение прихожан. Новгородская художественная школа Средневековья достаточно самобытна и оригинальна. Для архитектуры Новгорода были характерны истинно народные начала. Строили в Новгороде добротно и основательно. Даже Софийский собор (1045—1050) сооружен в упрощенном виде. Церкви массивны, приземисты, чуть расширены книзу, без резных украшений, за исключением вырезанных на стенах больших и грубых крестов. Кладки стен неровны и шероховаты: например, церковь Спаса-на-Нередице (1198), церковь Петра и Павла в Кожевниках (1406).
Памятники IX—XIII вв. сохранили немало данных о высоком уровне развития ремесленного производства Руси, а соответственно, и лежащих в его основе знаний и навыков.
Развитию ремесла способствовал быстрый рост городов. Летопись IX—X вв. называет 25 городов. К началу же монгольского вторжения на Руси было около 300 городов.
Изделия городского ремесла получили высокую оценку не только на Руси. Затейливые висячие замки с ключами сложного рисунка находили сбыт в соседних странах под названием «русских» замков. Но особое развитие получило производство оружия и военных доспехов. Мечи и боевые топоры, копья, колчаны со стрелами, сабли и ножи, кольчуги и щиты вырабатывались мастерами-оружейниками. Довольно рано в оружейном производстве появляется специализация. Летописи говорят о мастерах-седельниках, лучниках, тульниках («тул» — колчан), щитниках, мастерах по производству осадных машин-пороков, специалистов по выделке мечей, копий, топоров, шлемов и других видов вооружения.
Показателем высокого развития не только ремесла, но и декоративно-прикладного искусства было ювелирное производство. Ювелиры удовлетворяли потребности широких слоев населения в украшениях, а также изготовляли предметы роскоши для феодальной знати и утварь для церкви. Бронзовые, медные, серебряные украшения высоко ценились в русских землях: цветные металлы получали из соседних стран, а русские мастера создавали из них высокохудожественные произведения.
Основным техническим приемом ювелиров того времени было литье. Использование формы давало почти неограниченные возможности для получения различных весьма сложных изделий. Отливались кресты, подвески, височные кольца, колокола, подсвечники, браслеты, поясные бляшки, пуговицы, перстни и т. д. Особой формой литья было литье по восковой модели. Приготовленная восковая модель, часто очень сложной формы, с мелкими деталями, обкладывалась сырой глиной. Глина обжигалась, затвердевала, а воск вытапливался. Металл заливался в глиняную форму, которая после остывания разбивалась. Отсюда сам характер литья получил название «потерянной формы». Полученная вещь отличалась точностью формы, идеальным внешним видом, отсутствием так называемого литейного шва. Выдающимся образцом такого литья является бронзовая арка XII в. из г. Вщижа с плетеным жгутовым орнаментом и птицами в медальонах. Применение литья способом «потерянной формы» давало возможность получения объемных вещей высокого качества.
Ювелиры X—XII вв. не ограничивалось литейным производством. На севере, в Новгороде и Суздале, большое развитие получает рельефная чеканка («обронная» работа). Суть ее заключается в выдавливании рисунка рельефом наружу. Лицевая сторона рельефа подвергалась детальной обработке. Для изготовления массовой продукции использовали матрицы. Особенно широко они применялись при изготовлении наиболее распространенных украшений — колтов, височных колец, бляшек, нашивок для ткани, и т. д.
Высокого уровня достигло сканное дело. Сканью, или филигранью, назывались на Руси изделия из скрученной, свитой серебряной или золотой проволоки («скати» означало сучить, скручивать). Изделия из скани были двух видов. В одном случае скрученная проволока служила основой для создания объемных, ажурных узоров, в другом — накладывалась на пластины. И в том и в другом случае мастера применяли пайку. Изделия из скани были очень красивы и изящны. Близко к сканному мастерству стоит техника зерни. Мельчайшие серебряные или золотые зерна накладывались по рисунку на пластины и припаивались, создавая сложный и красивый орнамент. На отдельных колтах насчитывается до пяти тысяч зерен, так что на каждый квадратный сантиметр поверхности приходилось до 300 мельчайших шариков. Изделия из скани и зерни были широко распространены в Древней Руси.
Хорошо были знакомы русские мастера XI—XIII вв. с золочением и инкрустацией золотом и серебром по железу и меди с применением черни. На металлические пластины предварительно наносили рисунок резцом. Затем в углубления разогретых пластин молоточком вбивали тонкие серебряные или золотые нити. Пространство между нитями иногда покрывалось чернью, и получался красивый серебряный или золотой рисунок по черному фону.
О высоком искусстве русских мастеров черни и эмали свидетельствовал немецкий автор Теофил. Он писал, что читатель его трактата может узнать, что изобрела Русь в искусстве эмали и разнообразии черни. Еще более эффектной была эмаль — «финифть», «химипет», как называли ее на Руси. Вначале эмали на Руси были выемчатые. Золотую или медную основу для них с толстыми перегородками отливали предварительно. Однако этим способом трудно получить сложный и в то же время изящный узор. Метод выдавливания также не давал должного эффекта. С X—XI вв. получает распространение перегородчатая эмаль. Рисунок наносился на поверхность припайкой золотых полосок, высота которых колебалась в пределах одного миллиметра. Стекловидная масса эмали разных цветов покрывала подготовленные ячейки, создавая красивые и долговечные украшения. Эмаль имела широкое распространение. Обильно украшались эмалью колты, ожерелья, перстни, подвески и т. п. Отдельные дошедшие до нас эмалевые вещи имеют надписи, сделанные на русском языке.
Произведения ювелирного искусства Древней Руси, как правило, сочетают самые различные способы обработки, требовавшие от ремесленников не только хорошей техники, но и знания физических и химических свойств материала. Не было, пожалуй, такой отрасли художественного ремесла, в которой русские ремесленники XI—XII вв. не создали бы замечательных, поражающих своим совершенством вещей. Недаром, отмечает летопись, «многие приходящие из Греции и других земель» говорили, видя обработанные русскими мастерами-ювелирами позолоченные гробницы Бориса и Глеба: «Нигде такой красоты нет».
Широкое распространение получило гончарное искусство. Уже с IX в. в Древней Руси стала преобладать посуда, сделанная на гончарном круге. Посуда орнаментовалась, сушилась, а потом обжигалась. Сосуды славянского типа были широко распространены по всем землям, входившим в состав Древнерусского государства. При всем своем разнообразии у них были общие черты: нижняя часть имела вид усеченного конуса, выше середины — выпуклые плечи, верх заканчивался пухлым, сильно отогнутым вперед венчиком. Сосуды эти различных размеров и разного назначения. Одни предназначались для варки пищи, другие, «корчаги», большие сосуды — для хранения зерна, меда и других продуктов. Изготовлялись кринки, плошки, чашки, блюда. В городах, где предположительно с XI в. применялся ножной гончарный круг, ассортимент гончарных изделий был шире и сложнее. Здесь делались кувшины, жбаны, черпаки, миски, светильники, амфоры, различные глиняные игрушки.
Ремесленники-гончары очень рано стали ставить клейма на свою продукцию. Колечки, ромбики, розетки, кресты, ключи, звезды и другие изображения в изобилии встречаются на поделках гончаров. Иногда на гончарных изделиях попадаются надписи сделанные рукой мастера. Гончары занимались также выделкой кирпичей «плинфы» и различного рода глиняных поливных плиток, черепицы, изразцов, служивших для украшения пола, стен и потолков зданий.
Особым видом ремесла было стеклянное производство. Долгое время считали, что на Руси стеклянные изделия были только привозные, пока не были обнаружены мастерские по выделке стеклянных изделий, что позволило сделать вывод о местном характере стеклянного дела. Стеклянные перстни и браслеты были обычным украшениями горожанок.
Исключительно широкое развитие в Древней Руси получила обработка дерева. Источники неоднократно упоминают «древоделей», т. е. плотников, которые строят деревянные дома, церкви, монастыри, мостят бревнами мостовые, сооружают стены, башни, мосты. «Древоделы» имели разнообразные строительные инструменты: топоры, секиры, столярное тесло, пилы, долота, резцы, сверла, скобель, рубанок, скобы, заклепки, молотки. Обильны свидетельства существования определенной специализации мастеров деревянного дела. Вполне вероятно, выделялись особые профессии бочаров (бондарей), специалистов по токарному делу, по выделке гвоздей (деревянных). Появление каменного строительства привело к выделению группы ремесленников, занятых строительством и отделкой каменных зданий, хотя источники говорят о них очень скудно.
Особую группу ремесленников составляли люди, занятые изготовлением одежды, тканей, обработкой кожи. Прядением льна и шерсти занимались в основном женщины, а специалисты-ремесленники изготовляли более дорогие ткани. Опонники выделывали «опону», особо ценную ткань; ручечники специализировались на выделке тонкого холста-«ручошника». Были специалисты и по пошиву одежды, носившие название портных швецов («Порт» — одежда). Нужда в кожаной обуви, шапках, оружейных ремнях, поясах, сбруе, седлах, колчанах, щитах, переметных сумах, рукавицах, пергаменте для письма стимулировала развитие кожевенного дела. В нем происходит специализация. Выделяются скорняки («скора»— мех)— мастера по выделке меха, кожемяки, усмошвецы, обрабатывающие кожи и шьющие сапоги, седельники, сафьянникн, тульники. Знала Древняя Русь и другие ремесленные специальности: мастеров иконописного дела, книжных писцов, косторезов.
Говоря о материальной культуре Древней Руси, нельзя не коснуться вопроса о жилищах. Деревянные, срубные жилища были наиболее распространенными. Сравнительная техническая простота постройки и доступность материала создавали возможность для возведения различных жилых и хозяйственных построек. Основой деревянных построек был четырехугольный бревенчатый сруб, поставленный или прямо на землю, или на подставки (столбы, пни, камни). Пол был или земляным, или деревянным, из толстых, гладко отесанных досок. Деревянный, настланный на балках потолок закрывался двускатой крышей. Такой тип постройки определял простейшую форму жилья — избу («изба», или («истба», «истопка», «истобка» — жилье с печью). Большинство построек жилого типа отапливалось по-черному, и только в богатых жилищах отмечались некоторые усовершенствования в отоплении. Свет в жилища проникал через прорубленные в бревнах «оконца». Обычно они были «волоковыми»: узкое продолговатое отверстие в бревне в случае надобности закрывалось («заволакивалось») доской. Иногда встречались стеклянные и слюдяные оконницы, но они широкого распространения не имели. Были в Древней Руси и деревянные постройки, состоявшие из сочетания нескольких срубов. В едином, цельном ансамбле соединялись жилое теплое помещение —«изба», сени и холодная «клеть», служившая летней спальней и кладовой.
Во дворах князей и крупных феодалов срубы-клети сочетались таким образом, что они составляли крытую галерею второго этажа. Галереи эти покоились на опорных столбах. Составной частью ансамбля были терема, т. е. сени, принимавшие шатровую гранную или круглую коническую форму. Обычно весь этот жилой комплекс назывался «хоромами». Источники донесли до нас существование в Древней Руси особых палат —«гридниц», которые играли роль парадных, приемных зал при дворцах князей. Служебные и хозяйственные постройки состояли из многочисленных погребов, медушь, скотниц, бань, бретьяниц (амбар, кладовая). О внутреннем убранстве жилищ судить очень трудно. Отрывочные письменные сообщения позволяют говорить о столах, скамьях, деревянных кроватях, коврах, подставках для лучин — железных светцах, глиняных масляных светильниках.
Ремесло, столь широко и разнообразно развитое в Древней Руси, строительство и ручное «узорочье» требовали глубоких наблюдений, опыта работы с разнообразным сырьем (металлом в эмалях; чернью, сканью, ювелирных работах; камнями — в шлифовке и отделке их; в строительстве и резьбе — деревом, глиной, стеклом), создания различных технологий (плавка, ковка, сварка, паяние, литье, волочение проволоки и др.), навыков использования в строительстве подъемников, коромысловых, вращательных и поступательных механизмов. На Руси были сделаны и ремесленно-технические открытия, например, создание цилиндрического замка. К середине XII века Русь распалась на несколько княжеств. Европа тоже прошла этот период развития, после которого сформировались национальные государства. Но на Руси этого не случилось, потому что с XIII века возникла опасность с Востока — монголо-татарское нашествие, а с Запада — интервенция Литвы, Швеции.
В XIV-XV веках на северо-востоке Руси складывается централизованное государство со столицей в Москве. С 1547 года, с венчания Ивана IV на царство Русь стала называться Россией. Шел процесс накопления теоретических и практических знаний. Строились крепостные сооружения, храмы, церкви, для которых требовались строгие математические расчеты. Были написаны первые пособия по математике, геометрии. Развивалась техника. Русские первые изобрели вышки-копры для бурения скважин при добыче соли. Выдающиеся гидротехнические сооружения были созданы в Соловецком монастыре. Система каналов соединяла десятки озер. Мельницы, молоты приводились в движение водой, каменная дамба с многочисленными мостами соединяла острова.После татарского нашествия более чем на полстолетия было прекращено каменное строительство, уничтожены кадры зодчих. Поэтому в XIV веке во многом приходилось начинать сначала. Строительство сосредоточилось в двух основных районах; на северо-западе (Псков, Новгород) и во Владимирской земле (Москва, Тверь). В Новгороде в XIV веке формируется новый тип церкви. Лучшие памятники этого типа— церковь Федора Стратилата и Спаса на Ильине. Географическое положение Пскова обусловили значительное развитие оборонного зодчества. С XV века начинается процесс слияния местных архитектурных художественных школ в единую общерусскую, общемосковскую. С превращением Москвы в политическую, религиозную столицу связано стремление поднять художественный и технический уровень московского строительства. Искуснейшие русские мастера работали рядом с лучшими зодчими Европы. Новые кирпичные стены и башни Кремля, сооруженные в XV веке при помощи итальянских архитекторов, были не только прекрасными укреплениями, но и замечательными произведениями искусства. В XVI веке была сооружена вторая линия укреплений Китай-города, затем под руководством Ф. Коня возведены белокаменные стены 9-километрового Белого города (современное бульварное кольцо). Затем в Москве возвели Земляной город (современное Садовое кольцо). Кольца укреплений Москвы пересекались радиальными улицами —дорогами, начинавшимися от Кремля. В XVII веке завершилась история средневековой русской культуры, и зарождались элементы культуры нового времени. Для него был характерен процесс всестороннего «обмирщения». В 1687 году в Москве было открыто первое в России высшее учебное заведение — Славяно-греко-латинская академия для подготовки высшегодуховенства и чиновников государственной службы. Появились рукописные учебники, самоучители, печатались книги по математике. В практике XVII века широко использовались знания в области механики (в строительстве, на первых мануфактурах). Заметные изменения произошли в медицине. Открыты первые аптеки, больницы, Под влиянием Запада в XVII веке возникают первые театральные постановки. В 1672 году был организован придворный театр. В 1675 году на сцене русского театра впервые был поставлен балет. Одна из особенностей культурной жизни России XVII века связана с сосредоточенностью художественных основных сил в Москве. Архитекторы, художники, ювелиры работали в Приказе каменных дел— «Оружейной палате» в Кремле. Это была своеобразная школа искусств и ремесел. Москва становилась непререкаемым авторитетом в области художественного творчества. Наиболее отчетливо новшества в художественной культуре обнаруживаются в памятниках архитектуры. Возводятся гражданские сооружения, терема, царские дворцы, трапезные. Общая черта этих зданий — богатоедекоративное убранство.Культовая архитектура XVII века перестала соблюдать каноны церковного строительства, становится более праздничной, живописной. В русской архитектуре в этот период появляются постройки, в которых можно различить черты нового стиля барокко, господствующего в архитектуре Западной Европы. Это так называемое «нарышкинское барокко». Для него характерно сочетание белого и красного цветов в убранстве зданий, четкая этажность построек. Высшего расцвета достигает деревянное храмовое зодчества. Гораздо большее развитие, по сравнению с предшествующими временами, получило каменное строительство. В XVII веке в России изготовлялся высококачественный кирпич, делались обеспечивающие большую прочность растворы извести. Техника возведения крупных сооружений достигла высокого уровня. В 30-х годах XVII века появился первый стекольный завод в России.
В области ремесленного производства произошли значительные сдвиги. Как и прежде, существовала домашняя промышленность в крестьянском хозяйстве, производившая холсты, канаты, сермяжные сукна, обувь, одежду, посуду, рогожи, деготь и другие предметы. Но в городах, особенно наиболее крупных, отчетливо определяется процесс массового превращения ремесла в мелко товарное производство. Более того, в XVII в. возникли первые русские мануфактуры, что привело к значительному обогащению материальной культуры.
Широкое распространение получила обработка металлов - в Москве, Устюжне Железопольской, Тихвине. Кузнецы и другие мастера обработки железа производили в массовом количестве топоры и дверные петли, подковы и сабли, ножи и шашки и другие изделия. С большим мастерством изготовлялись сложные и хитроумные замки. Было налажено производство многих видов огнестрельного и холодного оружия.
Русские мастера-крестьяне в 20-х годах XVII века сделали башенные часы для новой Спасской башни Кремля (по проекту англичанина Христофора Галовея). Все более применялись разные воздействующие механизмы. В 1615 г. была сделана первая пушка с винтовой нарезкой.
Высокого технического уровня достигла обработка благородных металлов - золота и серебра, особенно в специальных мастерских - золотой и серебряной палатах Оружейного приказа. В этих мастерских изготовлялись различные предметы царского обихода и другие драгоценные вещи - серебряные ковши, братины, кольца, серьги, крестики и многое другое. Важное значение имела чеканка монет. В середине XVII века по царскому заказу в течение одного года был отлит колокол весом 12500 пудов.
Многовековую традицию имела к XVII веку обработка дерева. Особенно большого искусства достигли в этом мастера в северных, богатых лесом районах. Там возводились замечательные постройки. Поморские плотники умели строить прочные и удобные не только речные, но и морские суда. Большого прогресса достиг в XVII веке смоляной промысел, а также производство поташа. Возникли центры массового производства изделий изо льна и пеньки, холстов, канатов в Пскове и Новгороде, Ярославле и Ржеве, Вологде и Нижнем Новгороде. Во многих городах работали скорняки, изготовляя разные меховые вещи.
Материальная культура в XVII столетии получила большое развитие. Ее творцами и создателями были многие тысячи народных мастеров-умельцев, воплотивших в своих творениях творческую силу народа.
В этот период сложились устойчивые группы высококвалифицированных мастеров на различных предприятиях. Хотя в ряде случаев производство на этих предприятиях начиналось с приглашения иностранных мастеров, русские люди быстро овладевали необходимым мастерством и выполняли сложные технические работы с большим искусством.
Веркбунд – объединение промышленности, торговли и дизайна.
В 90-х годах XIX века быстрое техническое развитие Германии делает ее центром обновления архитектуры, ремесла и промышленной продукции. Продукция промышленного производства получила признание, и фабричное изделие перестало быть копией изделия ручного производства. Значительная часть немецких промышленных предпринимателей была заинтересована в совершенствовании качества продукции. Комитет из двенадцати художников (архитекторов и "прикладников") и двенадцати фирм, выпускавших в основном художественную продукцию, выступали инициаторами создания объединения. 7 октября 1907 года был организован Немецкий Веркбунд. Своей основной целью Веркбунд объявил "облагораживание немецкой работы сотрудничеством искусства, ремесла и промышленности путем воспитания и пропаганды".Позиции художников - основателей в вопросах искусства были совершенно различны. Теодор Фишер, Питер Беренс и Вильгельм Крайс были известны как архитекторы, Иозеф Хофман руководил Венскими мастерскими, которые изготавливали уникальные художественные предметы. До 1918 года Немецким Веркбундом практически руководили три его создателя: Герман Мутезиус, Карл Шмидт и Фридрих Науман, и их ближайшие друзья - Рихард Римершмид и Фриц Шумахер. Характерными для первых лет деятельности Веркбунда были конструктивная мебель Римершмида с комбинированными и встроенными элементами, гончарная посуда ясных форм без декора, лаконичные металлические изделия, дешевые полиграфические издания, выпускавшиеся в обложках из простой декоративной бумаги вместо дорогого переплета. Мастерскими выполнялись архитектурные работы, проектировались интерьеры государственных и муниципальных зданий, строились банки, отели и особняки, железнодорожные вагоны. Кроме того, Веркбунд развернул активную деятельность по пропаганде своих идей в самых широких слоях общества. Выпускались специальные издания, рассчитанные не столько на потребителя продукции, сколько на ее производителя, фабриканта и художника. Публиковались выступления по актуальным художественным проблемам, читались программные доклады. Но главным мероприятием была организация Веркбундом совместно с Союзом торгового образования специальных курсов, предназначенных для повышения уровня образования торговых предпринимателей и продавцов. Объединение было активным участником всех выставок, посвященных ремеслу, прикладному искусству и промышленности, а со временем стало организатором регулярных собственных выставок. Выставки Веркбунда, благодаря строго целенаправленному отбору экспонатов, производили сильное впечатление. В 1911 году Герман Мутезиус выступил с речью, ставшей эстетическим руководством и программой Веркбунда на последующие годы. Она поднимала вопросы соотношения понятий "качество" и "форма", обязательности введения методов типизации художественных форм для успешного развития формообразования. В 1920-х годах Веркбунд был центром сил, способствовавших прогрессу в промышленности и строительстве. В конце десятилетия организацию возглавил Мис ван дер Роэ. С его именем связан окончательный переход к массовому производству и массовому жилищному строительству. Он видел свою задачу в решении социальных противоречий времени благодаря ориентации на новейшую технику и типизацию. Своей деятельностью Веркбунд способствовал становлению функционализма, широкому и быстрому признанию продукции массового промышленного производства, прогрессу художественных ремесел. Векбунд был закрыт в 1933 году.
Конструктивизм и функционализм в архитектуре, прикладном искусстве Западной Европы и США начала XX века.
Функционализм – направление в архитектуре и искусстве, утверждающее главенство практических функций в определении форм зданий и предметов. Внешний облик сооружения должен был отражать не только его конструкцию, но и внутреннюю планировку, которая определялась практическим назначением. На рубеже XIX – XX веков заметным явлением стала архитектура США - промышленная архитектура, высотные и конторские дома, коттеджи, оснащенные новейшими средствами жизнеобеспечения. Становление дизайна в Америке относится к концу 20-х годов. Чикагская школа – условное название группы архитекторов, творчество которых составило определенное течение и исторический этап развития американской архитектуры начала века. В группу входили Л.Салливен, Д.Адлер, Л.Мис ван дер Роэ, В.Гропиус. Течение близко европейскому функционализму, усиленному традиционным американским прагматизмом. Своеобразная эстетика чикагской школы состояла в универсализме, типизации и стандартизации. Архитекторы заменили в небоскребе несущие стены на стальную конструкцию. Стиль чикагской школы распространился на всю Америку и стал именоваться «интернациональный стиль». В Голландии группа живописцев, скульпторов, графиков и архитекторов основала журнал «Стиль» (1917). Журнал способствовал развитию абстрактного стиля, основанного на исключительном использовании прямых линий в комбинации с монохромными и первичными цветами. Эту теорию разработал Пит Мондриан как направление, логически продолжающее кубизм. Архитекторы группы развивали эти принципы в работе с объемными формами. В истории интернационального стиля и функционализма особую роль сыграл швейцарский дизайн 1930-х годов, в частности компания архитектора и историка дизайна З. Гидеона. Особое место в становлении и развитии индустриального дизайна принадлежит американскому архитектору Франку Ллойду Райту. Он является автором более сотни проектов жилых домов, ряда административных и общественных зданий, мебельных проектов. Райт много времени отдавал научной и педагогической деятельности. Является основоположником течения «органической архитектуры». Главные темы творчества Ле Корбюзье – дом и город. Проводилась идея о том, что изменение структур города приведет к перестройке процессов городской жизни. В манифесте «После кубизма» (1918 г.), написанном вместе с живописцем А. Озанфаном, утверждалось начало великой машинной цивилизации. Ле Корбюзье свои архитектурные идеи воплощал в железобетоне, используя возможности конструктивного каркаса изменять расположение внутренних стен. Наиболее полно художественные устремления автора в период между двумя мировыми войнами отражены в проектах вилл. Мисс Ван дер Роэ в своих проектах использовал принцип взаимопроникновения внешнего и внутреннего пространства.
Баухауз – первый центр дизайн – образования.
Баухауз – первое учебное заведение, призванное готовить художников для работы в промышленности. Баухауз в дословном переводе «Строительный дом». Начал работу в 1919 в Веймаре, затем был переведен в Дессау. Создание Баухауза опиралось на утопическую идею о возможности переустройства общества под влиянием гармоничной предметной среды. Архитектура рассматривалась как начало, объединяющее искусство, ремесло и технику. Школа должна была выпускать всесторонне развитых людей. Студенты занимались по определенной специализации (керамика, мебель, текстиль и т. п.). Обучение разделялось на техническую и художественную подготовку. Студенты овладевали не только натурными зарисовками, но и принципами формообразования и цветоведения. Занятие ремеслом в мастерской института считалось необходимым для будущего дизайнера. Техническая подготовка студентов подкреплялась изучением станков, технологии обработки металла и других материалов. Во главе учебного заведения стал его организатор архитектор Вальтер Гропиус. Среди его преподавателей крупнейшие деятели культуры: Мисс Ван дер Роэ, Ганнес Майер, Марсель Брейер, Итен, Василий Кандинский, Пауль Клее, Лионель Фенингер, Пит Мондриан. Впоследствии Ганнес Майер возглавил Баухауз. В последние годы существования института, с 1930 по 1933 годы, им руководил архитектор Мис Ван дер Роэ. Баухауз стал подлинным методическим центром в области дизайна. В Дессау по проекту В.Гропиуса построено специальное учебное здание, ставшее образцом новой архитектуры. Квартира В. Гропиуса, спроектированная им совместно с М. Брейером, стала моделью жилища будущего. Образцы, выполненные в стенах школы, отличает чистый геометризм, рисунок в виде линий и пятен. Новые конструктивные решения были особенно характерны в мебельном производстве. Новаторский подход отличали деревянные кресла Ритфельда, мебель для сиденья на металлической основе Марселя Брейера.
Конструктивизм в архитектуре, прикладном искусстве, художественной промышленности Советского Союза.
Читайте также:
lektsia.com
Древнерусская эмаль — реферат
Государственная образовательное учереждение высшего профессионального образования «Лененградский Государственный университет им. А.С. Пушкина
Факультет Искусств
Реферат
По дисциплине: История Отечественного Изобразительного Искусства
На тему: Древне-Русская Эмаль
Выполнила: студентка 1курса
Андреева Юлия Петровна
Научный руководитель:
Санкт-Петербург2009
Содержание.
1.Введение…………………………………………………………1
2.Древне Русская Эмаль………………………………………...2
3.Художественная Эмаль……………………………………….4
4.Драгоценная История Эмали………………………………...6
5.Эмаль,Свойства,Состав,Применение……………………….9
6.Эмаль в Декоративно-прикладном искусстве……………..12
7.Список литературы……………………………………………13
Введение:
Искусство художественной эмали
насчитывает более двух тысяч лет. Древнейшими из известных изделий с использованием эмали являются металлические предметы с впаянными пластинками синего стекла, изготовленные между 1425 и 1300 гг. до н. э., которые были найденные в Микенах (Греция). С VI в. до н. э. греки систематически наплавляли эмаль на золотые украшения. Значительный вклад в технологию внесли Иран (Персия), Индия и Китай. Классическая история искусства рассматривает развитие художественного эмалирования в связи с формированием культуры центрально - европейских стран. Эталонными образцами, оказавшими решающее влияние на ювелирное искусство средневековой Европы, считаются перегородчатые византийские эмали по золоту, созданные до XII в. Основным технологическим принципом эмалирования является обжиг металла и цветной стекловидной массы (эмали), при котором происходит прочное соединение, сцепление материалов друг с другом при высокой температуре. Традиционными приемами художественного эмалирования являются перегородчатые эмали, выемчатые, эмали по чеканному рельефу, витражная эмаль, живописная эмаль, миниатюра на эмали, эмаль по гильошированному фону. Несмотря на значительную и убедительную историю, художественное эмалирование все еще находится в процессе развития, и качество работы определяет в первую очередь практический опыт эмальера, так как сложные проблемы состава эмалей, обжига и сцепления металла с эмалью, а также многие другие технические вопросы продолжают совершенствоваться. Художники, работающие сегодня с традиционными ювелирными эмалями, также активно используют и горячие технические эмали, что позволяет им расширить художественную выразительность современных образов и форм. Произведения российских художников – эмальеров по достоинству оценены не только на отечественных профессиональных художественных выставках, но и на крупнейших международных форумах: в старинном эмальерном центре Европы – Лиможе (Франция), в Ла Корунье (Испания), Ковингтоне (США) и других городах и странах мира.
Финифть-
древнее название эмали, от греческого «фингитис», что в переводе означает «светлый, блестящий камень». Финифтью назывались все виды эмали в Древней Греции и затем в Византии, откуда искусство художественной эмали в Х веке пришло в Россию. Начиная с самых ранних времён, эмаль использовалась для украшения предметов из золота, серебра и меди. Эмали во все времена ценились на уровне драгоценных камней, а иногда могли поспорить с ними по красоте. Сейчас термином «финифть» называется одна конкретная техника - роспись по эмали. Ее уникальность в долговечности, проверенной столетиями, так как прошедшие через огонь краски веками не теряют яркость и блеск. Элитарный, эксклюзивный характер эмалевых миниатюр обусловлен высоким живописным мастерством художника и чрезвычайно сложным, трудоемким процессом их изготовления. В качестве основания для росписи по эмали используется пластинка из тонкого медного листа необходимой формы и размера, выпуклая с лицевой стороны. Основой для живописи служит эмалевый грунт. Он наносится на лицевую сторону пластинки в три слоя. После нанесения каждого слоя пластинка просушивается в сушильном шкафу и обжигается в муфельной печи при t 700-800 0С, пока эмаль не сплавится, а поверхность не станет гладкой. Роспись пластинки начинается с рисунка, который выполняется сначала на бумаге. Затем под него подкладывается чистый лист бумаги, и рисунок по контуру прокалывается иглой. На нижнем листе получается точечный отпечаток рисунка. Этот лист накладывается на лицевую поверхность загрунтованной пластинки и натирается смешанной со скипидаром сажей, в результате чего рисунок переводится на эмалевую основу. На первой стадии росписи по эмали тонкой кистью делается "подмалевок"- наносятся основные цвета. После этого пластинка обжигается в муфельной печи, пока краски не сплавятся и не приобретут яркость и блеск. Извлеченная из муфеля пластинка остужается и следует первая прописка, в ходе которой выявляются основные детали изображения и светотени. Затем пластинка вновь просушивается, обжигается и остужается. В процессе второй прописки выявляются второстепенные детали, прорабатываются полутона и уточняются цветовые отношения. Производится третий обжиг. При создании несложной композиции с использованием ограниченной красочной палитры роспись заканчивается на втором или третьем этапе. Для написания сложной миниатюры, богатой цветовыми оттенками, требуется от 4 до 7 прописок и столько же обжигов. Законченный вид финифти, как ювелирному изделию, придает оправа, она изготавливается ювелиром. Роспись по эмали практически вечно сохраняет чистоту, блеск и прозрачность цвета. Она не подвергается воздействию таких разрушительных факторов, как свет, перепады температуры и влажности, загрязнение. Скань (от др.-рус. скать — свивать), филигрань — вид ювелирной техники: ажурный или напаянный на металлический фон узор из тонкой золотой, серебряной или медной проволоки, гладкой или свитой в верёвочки. Изделия из скани часто дополняются зернью (маленькие серебряные или золотые шарики) и эмалью.
Художественная эмаль –
"Если живопись выполняется эмалевыми красками, а затем помещается в огонь и там обжигается .... то живопись на эмали вечна." Леонардо да Винчи
Эмаль знали и ценили с древних времен. Эта трудоемкая и сложная техника применялась в украшениях из золота, серебра и бронзы. Первоначально в Древнем Египте эмаль использовалась в качестве имитации драгоценных камней. Постепенное развитие и передача секретов мастерства выразились в применении широких декоративных возможностей эмали при изготовлении как предметов религиозного культа, так и предметов роскоши.
Богатая палитра ярких, свежих, блестящих красок привлекала к овладению техникой эмалирования ювелиров и художников всех эпох и народов.
Эмалью украшали предметы женского убора, ожерелья, перстни,кулоны, серьги, драгоценную посуду, церковную утварь. Эмаль применялась в сочетании с драгоценными камнями, сканью, чеканкой, гравировкой.
Процесс нанесения эмали и последующего обжига требует умения, терпения и знания секретов цвета и свойств эмалевой массы. Кусочки эмали перетираются в мельчайший порошок в яшмовой ступке. Порошок - шихта, травится кислотой, моется, накладывается на изделие,нагревается от 750 до 900 градусов. Шихта расплавляется и превращается в стекло, жидкое стекло растекается по поверхности изделия. Изделие вынимается из муфельной печи, остывает. После этого следует шлифовка, полировка и т.д. Любая ошибка в этих операциях приводит к безнадежной порче изделия. Возникают безвозвратные утраты. Изготовление эмали подобно волшебству. Это алхимия цвета. Сквозь эмаль просвечивает металлическая основа и, если смотреть на нее под разным углом зрения, - эмаль оживает. Древние китайцы, используя этот эффект, изображали в эмали рыб, которые то появлялись, то исчезали на стенках священного бронзового сосуда...
Художественное эмалирование относится к элитарным видам искусства. Сложный и дорогостоящий технологический процесс изготовления определяют стоимость эмали. Это редкое ремесло, в нем работа художника напоминает священнодействие, в результате которого на раскаленной докрасна меди возникает сказочный мир алхимического брака света, цвета и огня. Поэтому каждое изделие с эмалью единственно и неповторимо в своем роде.
Красиво, дорого, вечно… Пожалуй, мало что из созданного руками человека обладает всеми этими характеристиками, но однозначно, все они относятся к эмали. Эмали во все времена ценились на уровне драгоценных камней и зачастую могли поспорить с ними по красоте. А секрет их создания строго хранился и передавался от мастера к ученику.
Эмаль впервые появилась в 1400 г. до нашей эры на Кипре. Но и древний Египет, Китай, Япония с давних пор славились изделиями, украшенными эмалью. Также знамениты эмали грузинские. В Западной Европе наиболее известны французские (лиможские – по названию города Лимож). Знала эмаль и Древняя Русь: эмалью украшались предметы роскоши и культового назначения – чаши, потиры, оклады икон и книг, она широко применялась при создании предметов дворцового и парадного обихода – государственных регалий, головных уборов, костюмов, оружия, драгоценностей. Сам термин «эмаль» распространился в России сравнительно недавно, в конце XIX века. Он вытеснил старый термин – финифть (от латинского fingitis – твердый, блестящий камень), пришедший из Византии. Основой ювелирной эмали служит стекло с примесью той или иной окиси металла, придающей эмали определенный цвет. Техника эмали может быть холодной, без употребления обжига, и горячей, при которой огонь является соавтором художника. Горячая эмаль сочетает в себе много различных техник и способов обработки и металла, и самой эмали, дающих возможность разнообразных решений как декоративных, так и живописных.
Виды эмали Одной из самых древних техник горячей эмали является выемчатая эмаль. Она была известна еще египтянам, ассирийцам и финикийцам, а особого расцвета достигла в Византии. Искусные образцы этой техники сохранились в Грузии и в курганах домонгольской Руси: на изделии делаются специальные углубления — выемки, которые затем заполняются эмалью. Чем глубже выемка, тем темнее краска.
Перегородчатая эмаль – еще одна древняя сложная техника, существует несколько её вариантов. Перегородчатая эмаль с ленточными перегородками: из тонкого золотого листа (несколько десятых, а иногда и сотых миллиметра) нарезаются узкие «ленточки», из которых потом с помощью пинцета выгибаются перегородки, соответствующие контурам рисунка, и припаиваются к основе (золотому листу). Затем каждую ячейку, образованную перегородками, заполняют цветной эмалью и после просушки обжигают. Операция повторяется несколько раз. Этот вид эмалевой техники применяется для небольших ювелирных золотых изделий — как орнаментальных, так и с лицевыми изображениями.
Перегородчатые эмали с перегородками из проволоки: здесь перегородки изготовляют не из листового металла, а из серебряной проволоки. Примером этой техники могут служить китайские эмали, которые применяются для декорирования самых различных предметов: подносов, блюд, ваз, светильников, декоративных фигур животных и птиц.
Филигранные перегородчатые эмали
характерны для древнерусского ювелирного искусства XVI-XVII веков. Изготовляются они из золота, серебра или меди. Филигранной перегородчатой эмалью украшают самые различные предметы: посуду, ювелирные украшения, ларцы, коробочки, церковную утварь, оклады икон. Перегородки в данном случае делаются из крученых металлических нитей, как правило, изогнутых в виде завитков, образующих сложный кружевной узор.
Оконная эмаль была известна в Италии уже в XVI веке. Она применяется в ювелирных украшениях - серьгах, кулонах, подвесках, а также для абажуров, фонарей и лампад. Основой для неё служит ажурная филигрань, просветы в которой заполняются мокрой молотой эмалевой массой. Затем изделие осторожно просушивают и немедленно обжигают. Эмаль сплавляется и превращается в стекло, вправленное в просветы металлического кружева. Цветные прозрачные эмали чистых цветов напоминают драгоценные камни — аметисты, сапфиры, рубины.
Сплошные эмали, в отличие от перегородчатых, сплошь покрывают металлическую основу, имеющую лишь конструктивное значение. Они также делятся на несколько видов. Прежде всего, это расписные и живописные эмали, представляющие собой тончайшую миниатюрную живопись эмалевыми красками на металлической основе. Эта техника имеет очень много общего с живописью по фарфору и выполняется теми же красками. Живопись по эмали требует от художника большого профессионального мастерства. Ее основные особенности заключаются, во-первых, в том, что это — миниатюрная живопись, размеры которой измеряются сантиметрами, а во-вторых, краски при обжиге изменяют свой первоначальный цвет и интенсивность, и мастер работает по воображению.
Просвечивающая или рельефная эмаль была известна уже в XIV веке в Италии, а затем распространилась и по другим странам. Она отличается тем, что невысокий, металлический рельеф сплошь покрывают прозрачной (или полупрозрачной) эмалью так, что его наиболее высокие части скрыты под слоем эмали. В результате все рельефное изображение просвечивает сквозь эмаль, причем выступающие элементы просвечивают сильнее.
К этой технике относится и гильошированная эмаль, получившая большое распространение в XVI-XVII веках. В XIX веке гравировка «гильоше» осуществлялась машинным способом, чем достигалась равномерная фактура в виде волнообразных, параллельных или лучевых линий. Отражая свет, проникавший через эмаль, она создавала своеобразный муаровый эффект. Особенно славились выполненные в этой технике эмали фирмы Фаберже, основанной в Петербурге в 1842 году выходцем из Франции Густавом Фаберже.
yaneuch.ru
