Содержание
Творчество п.И.Чайковского в истории русской и мировой музыки.
Чайковский оставил
музыкальные произведения во всех жанрах.
Он стал одним из создателей русской
классической симфонии, его оперы открыли
новые пути в музыкальном театре. В
историю музыки Чайковский вошел как
реформатор балета, открыв эру симфонического
балета («Лебединое озеро», «Спящая
красавица», «Щелкунчик»). Он создал
классические образцы фортепианной
музыки, замечательные романсы, хоровые
произведения, фантазии, сюиты. Все
чувства человеческой души – от самой
глубокой скорби до окрыляющей радости
– выразил в своей музыке Чайковский.
Жизнь
и творчество Чайковского тесно связаны
с жизнью и культурой России. Пушкинская
поэзия и проза вдохновляли его на
создание замечательных опер – «Евгений
Онегин», «Мазепа», «Пиковая дама».
Чудесная проза Гоголя легла в основу
оперы «Черевички». Чайковский дружил
с А.Н.Островским и написал музыку к его
пьесе «Снегурочка».
В
произведениях Чайковского воплотился
широкий круг образов европейской
литературы. Здесь и Шекспир и Данте и
итальянская шумная жизнь. Он стал первым
русским композитором, получившим не
только европейское, но и мировое
признание.
Из
представленных репродукций назовите
произведения, которые принадлежат
кисти В.Сурикова.
Билет № 3.
Колизей – шедевр
древнеримского искусства.
Древние греки и
римляне были первыми, кто дал миру
сооружения, рассчитанные на тысячи
зрителей. Одним из таких шедевров
древнеримского искусства является
Колизей.
О нем когда-то
говорили, будет стоять Колизей, будет
стоять и Рим, исчезнет Колизей, с ним
исчезнет и Рим. На территории, примыкавшей
к Золотому Дворцу, двору Нерона, где
стояла его огромная статуя, римляне
возвели самый большой амфитеатр державы
– Колизей, являющийся целым этапом в
развитии не только римской, но и мировой
архитектуры.
Снаружи амфитеатр делится
на четыре этажа, общая высота которых
– 48,5 м. Когда-то арки первого этажа
служили входом в амфитеатр, а в верхних
ярусах стояли статуи.
Необычайно
рационально была возведена арена, от
которой до нашего времени дошли лишь
грандиозные развалины. Под ареной
находилась целая система помещений для
диких животных, механизмов, декораций.
Колизей вмещал около 50 тысяч человек.
Первые ряды состояли из мраморных
кресел, предназначенных для сенаторов,
правительственных чиновников; особое
положение занимала императорская ложа,
устланная коврами, имевшая балдахин.
Открытие амфитеатра
сопровождалось праздником, длившемся
100 дней, в течение которых было заколото
9 тысяч хищников. Тогда же состоялось
морское сражение. Арена превратилась
в огромное озеро, по которому маневрировали
корабли.
Стилистические особенности творчества п.Пикассо.
Великий испанский
и европейский художник XX века.
Почти
всю творческую жизнь провел во Франции.
Сын скромного живописца, преподавателя
художественной школы, получил
профессиональное художественное
образование в Академии Барселоны.
Опираясь на традиции старых испанских
мастеров – Эль Греко, Веласкеса, впитывая
достижения нового французского искусства,
в первые же годы своего творчества
обратил на себя внимание острой
индивидуальностью своей живописи.
В 1901-1905 гг. писал
картины в сине-голубой тональности
(голубой период), в 1906-1907 гг. смягчил ее
введением более теплых, розовых, тонов
(розовый период). Сюжеты его ранних
картин – изображение одиноких,
обездоленных людей, нищих, бродячих
актеров, музыкантов. Уже в ранний период
сформировались главные темы его
творчества – трагедия человеческого
существования в непредсказуемом,
стремительно меняющемся мире и красота
извечных простых ценностей – человеческой
близости, тепла, бескорыстной любви.
Одна из наиболее
волновавших его тем в 1930-е гг.
–
предчувствие трагедии нацизма и
тоталитаризма, решенная в его знаменитой
картине «Герника» (1937). Откликаясь на
разрушение маленького испанского
городка Герники немецкой авиацией,
художник обратился к человечеству со
страстным призывом предотвратить
грозящую миру опасность. Годы войны
Пикассо провел в оккупированном немцами
Париже, продолжая много работать,
сохраняя антифашистскую направленность
своего творчества. В послевоенные годы
антивоенная тема переплелась с темой
вечной красоты и радости жизни,
человеческого тепла и любви. В искусстве
Пикассо нашел свое художественное
воплощение трагический, сложный и
многоликий XX век.
Прослушайте
отрывок и определите автора и произведение.
Статья по музыке «Главные аспекты творчества Петра Ильича Чайковского»
Петр Ильич
Чайковский
Петр Ильич Чайковский – великий русский композитор-романтик, выдающийся
дирижер, педагог и музыкальный критик. Заинтересовавшись музыкой еще в раннем
детстве, он полюбил её на всю жизнь, посвятил всего себя.
Его музыка пользовалась
огромной популярностью при жизни не только в России, но и за рубежом. Его
произведения вечны, в наши дни интерес к ним не угасает, реализуя мечту
композитора о том, чтобы росло число людей, неравнодушных к его творчеству.
Петр Ильич оставил большое творческое наследие:
·
10 опер;
·
6 симфоний;
·
огромное
количество романсов;
·
фортепианные
пьесы и балеты;
·
квартеты
(камерные).
Он соединил в своем творчестве русские (Глинка, Даргомыжский,
народные песни) и западноевропейские традиции (Бетховен, Моцарт, Шуман, Шопен,
Лист).
Петр Ильич родился 25 апреля (7 мая) 1840 г. в заводском
поселке Воткинск (Вятская губерния) в семье горного инженера, директора
Камско-Воткинского завода. Детские годы композитора прошли в Воткинске, а с
шестилетнего возраста – в Алапаевске (на Урале). В семье Петра Ильича не было профессиональных
музыкантов, но все очень любили музыку: глава семейства играл на флейте, мать –
на арфе и фортепиано.
Уроки игры на рояле будущий композитор получал с пяти лет
у Марии Марковны Пальчиковой.
Хоть родители и видели способности к музыке у Петра, однако
прочили ему совсем другую карьеру – юриста. По их наставлению он поступил в
Императорское училище правоведения. Там он не прекращал занятия музыкой. Пел в хоре — сначала дискантом, а
затем альтом, занимался у пианиста Рудольфа Кюндингера.
Окончив в 1859 году Училище правоведения, Чайковский получил
чин титулярного советника и место в Министерстве юстиции. Но служба не привлекает его. В свободное время он
посещает театр, в особенности оперу. Наиболее глубокое впечатление производят
на молодого человека оперы «Иван Сусанин» Глинки и
«ДонЖуан» Моцарта. В начале 60х годов Чайковский с увлечением изучает
теорию музыки, а в 1862 году поступает в только что открытую Петербургскую
консерваторию с тем, чтобы серьезно заняться композицией. Дальнейшие занятия в жизни Петра Ильича у
великолепных преподавателей Н. Зарембы, А. Рубинштейна во многом помогли
формированию музыкальной личности.
После окончания консерватории композитор
Чайковский был приглашен Николаем Рубинштейном (братом преподавателя) в
Московскую консерваторию на должность профессора. С этого времени жизнь Чайковского связана
преимущественно с Москвой. Он знакомится с выдающимися русскими музыкантами,
литераторами и артистами. Среди них драматург Островский, музыкальный писатель
Одоевский, поэт Плещеев, артисты Малого театра. Близким другом его становится
Н. Рубинштейн, а также музыкальный критик Н. Кашкин, продолжается его дружба с
критиком Г. Ларошем, завязавшаяся еще в Петербурге. Помимо педагогической
работы Чайковский много и напряженно занимается сочинением музыки, нередко
выступает на страницах газет и журналов в качестве музыкального критика. В
своих статьях горячо поддерживает талантливых молодых композиторов —
Балакирева, Римского-Корсакова, Грига.
Чайковский писал почти во всех жанрах и в каждом из них сказал
свое новое слово гениального художника. Но, пожалуй, самым любимым для него
жанром была опера.
В ней Чайковский явился подлинным реформатором. Оперу
композитор представлял себе как самый демократичный жанр. «Опера, — писал
он, — и именно только опера, сближает вас с людьми, роднит вашу музыку с
настоящей публикой…» В основе оперного действия — сильные человеческие
чувства и переживания. Большое внимание уделял Чайковский содержанию своих
опер, отдавая при этом всегда предпочтение сюжету из русской жизни, поскольку
именно русского человека он по-настоящему хорошо знал и понимал.
Вместе с тем важное место в творчестве Чайковского занимает и
симфоническая музыка. Им написаны шесть симфоний и программная симфония
«Манфред», три концерта для фортепиано с оркестром, один для скрипки
и ряд оркестровых сюит. Из симфонических одночастных пьес особенно выделяются
фантазия «Франческа да Римини» и программные пьесы на сюжеты Шекспира
(увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта», фантазия «Буря»).
Чайковский сочинил также много фортепианных пьес и романсов, разнообразные
инструментальные ансамбли.
Нельзя
не затронуть цикл произведений, написанный П.И.Чайковским своему племяннику
Володе Давыдову — «Детский альбом». Некоторые пьесы цикла
построены на фольклорном материале. В «Неаполитанской песенке» и в
«Итальянской песенке» Чайковским использованы подлинно народные
итальянские мелодии. Еще один итальянский (венецианский) мотив взят за основу в
пьесе «Шарманщик поет». В пьесе «В церкви» претворен
церковный мотив так называемого «шестого гласа». В пьесе «Мужик
на гармонике играет» обыгрываются интонационные обороты и гармонические
ходы, характерные для русских однорядовых гармоник. В «Русской песне»
композитор обратился к русской народной плясовой песне «Голова ли ты, моя
головушка». Подлинно народная французская мелодия звучит в «Старинной
французской песенке». Есть основания предполагать, что подлинно
фольклорный мотив использован в «Немецкой песенке». В сборнике
просматривается несколько самостоятельных сюжетных линий. Первая из них связана
с пробуждением ребенка и началом дня -, «Зимнее утро», «Утренняя
молитва», «Мама».
Следующий сюжет — игры, домашние забавы
ребенка — «Игра в лошадки», «Марш деревянных солдатиков».
Своеобразным ответвлением игровой тематики в цикле является мини-трилогия,
посвященная кукле — «Похороны куклы», «Болезнь куклы»,
«Новая кукла».
День ребенка близится к концу и очередной
сюжетный поворот обозначается пьесой «Нянина сказка», рядом с которой
— как ее особый, отдельный музыкальный персонаж — появляется
«Баба-Яга». Однако вскоре все сказочные волнения и страхи оказываются
позади; их сменяет «Сладкая греза».
Композитор находит место и для излюбленной им
сферы бытовых танцев («Вальс», «Мазурка»,
«Полька»), и для музыкальных пейзажей («Песня жаворонка»),
и для жанрово-характеристических зарисовок («Мужик на гармонике
играет», «Шарманщик поет»). Завершается сборник пьесой «В
церкви». Тем самым, первый и последний номера соединяются своего рода
аркой; общим в обоих случаях является торжественное религиозное начало.
По характеру своего творчества П.И. Чайковский был прирожденным симфонистом,
убежденным в том, что именно симфония дает наилучшие возможности для развития
художественной идеи.
В письме к С.И. Танееву он назвал симфонию «самой
лирической из всех музыкальных форм». Композитор всегда стремился к «чистому»,
неизреченному лирическому высказыванию, к показу музыкальных образов в процессе
роста и обновления.
Симфонизм – определяющая стилевая черта его музыки, проявившаяся не только в
оркестровых сочинениях, но также в операх, балетах, камерных жанрах.
На стилистику оркестровых сочинений Чайковского оказали влияние
многие источники, среди которых выделяются традиции бетховенского
симфонизма: интенсивность конфликтно-драматического развития с его
столкновениями, борьбой противоположных сил, непрерывностью, рельефностью
изменений образов, колоссальная активность ритма.
Новаторство Чайковского-симфониста проявилось уже в первых трех
симфониях, относящихся к московскому периоду его творчества. Первая симфония (g-moll),
названная композитором «Зимние грёзы», воплотила новую для русской музыки
концепцию лирического симфонического цикла.
Ее содержание связано с
важнейшим русским архетипом – образом зимней дороги. В симфонии четыре части,
двум из которых даны программные заголовки: «Грезы зимней дорогой» (I часть),
«Угрюмый край, туманный край» (II часть).
Замечательные образцы симфонизации фольклорного материала содержит
и Вторая симфония (c-moll, 1872), наиболее
близкая народно-жанровому симфонизму. В ней используется несколько народных
тем, в основном, украинских. Особенно впечатляет блестящая изобретательность в
разработке темы плясовой шуточной песни «Журавель» в финале.
Отличительной особенностью цикла Второй симфонии является
отсутствие медленной части (вторая часть – Andantino marziale, третья
– скерцо).
В пятичастной Третьей симфонии (D-dur, 1875) большую роль играют
танцевальные жанры, сближающие ее с сюитой. Это вальс, впервые у Чайковского
выступающий в качестве самостоятельной части цикла (IIчасть), полонез
(финал). В жанровую сферу симфонии включены также похоронный марш,
торжественное шествие, лирическая песня (I часть),
фантастическое скерцо (IV часть), гимн (величавая кода сочинения).
Вместе
с тем, многое в музыке симфонии ведет к углубленно-психологическим образам
зрелого симфонизма Чайковского. Ярким примером является IIIчасть
цикла, Andante elegico.
Следующие три симфонии и программная симфония «Манфред»
представляют собой уже зрелые образцы жанра.
Начиная с Четвертой симфонии (f-moll,
1877), ведущую роль в симфонизме Чайковского получает тема рока. Личные желания
человека сталкиваются с судьбой, разрушающей иллюзию достижения земного
счастья. Если в Пятой симфонии Бетховена рок – это внешняя сила, вторгающаяся в
жизнь человека, то у Чайковского рок — внутреннее переживанием
личности (по словам дирижёра К. Кондрашина, «фатум является как бы тем
«червяком», который постоянно сидит в человеке и гложет его
непрерывно»). Диалектическое единство рока и психологического мира героя роднит
симфонию Чайковского с «Неоконченной» симфонией Шуберта, «Фантастической
симфонией» Берлиоза, «Фауст-симфонией» Листа.
Использование в финале Четвертой симфонии народной песни «Во поле
береза стояла» говорит о влиянии русского народного творчества и его идеалогии
(жизнь народа как источник душевного обновления).
Однако итог «хождения в
народ» оказывается не таким результативным, как в Пятой симфонии Бетховена: не
победное ликование, а «жить все-таки можно».
Четвёртая симфония явилась
первой симфонической драмой Чайковского.
Следующий шаг в освоении симфонизма драматического типа был сделан им
в программной симфонии «Манфред» (1885).
«Манфред» стал первой симфонией Чайковского, все части которой связаны
проведением лейттемы (образ Манфреда).
Идея симфонического цикла была развита композитором в
трагической Пятой симфонии (e-moll, 1888). Суровая и
скорбная тема возникает в самом начале симфонии, как
символ враждебной силы, преследующей человека. В финале симфонии эта
же тема, в ином, мажорном варианте, приобретает характер торжественного марша.
Достаточно распространена позитивная трактовка финала Пятой
симфонии: победа добра над злом,
«собственной воли над давящими обстоятельствами»
(Кирилл Кондрашин). Однако сегодня итог противостояния человека и фатума
видится иначе – как апофеоз надличностного начала, управляющего людскими
судьбами.
Хотя Чайковский не заканчивает симфонию полной победой роковой силы
(в конце финала звучит главная партия I части), шаг к пониманию
обреченности всяких попыток добиться счастья в Пятой симфонии уже
сделан. В любом случае, в художественном мире Чайковского больше нет места
итоговому народному празднику.
Народное начало проявляется в Пятой симфонии в более
опосредованном виде, чем в более ранних сочинениях,
и народно-жанровые элементы в ее музыке менее ощутимы.
Концепция рока получила гениальное завершение в Шестой
симфонии, (h-moll, 1893), в
которой он достигает небывалой еще концентрации выразительных средств,
силы и остроты драматических столкновений наряду с необычайной цельностью,
законченностью композиции и полным подчинением всех элементов формы
содержательному замыслу. К созданию этого величайшего из своих симфонических
шедевров Чайковский шел путем долгих и напряженных исканий. На протяжении
ближайших последующих лет у него возникали различные симфонические планы и
наброски.
Привлекает к себе внимание, в частности, программа симфонии «Жизнь»,
в отдельных частях которой должны были быть отражены разные периоды жизни
человека от юности до смерти. Финал симфонии, как мыслил его Чайковский, —
«смерть — результат разрушения… кончается замиранием». Здесь уже возникает
первоначальное зерно того замысла, который был осуществлен двумя годами позже в
Шестой симфонии.
В
письме к В. Л. Давыдову от 11 февраля 1893 года Чайковский пишет:
«Во время путешествия у меня явилась мысль другой симфонии,
на этот раз программной, но с такой программой, которая останется для всех
загадкой, — пусть догадываются, а симфония так и будет называться: Программная
симфония (№ 6) <…> Программа эта самая что ни на есть проникнутая
субъективностью, и нередко во время странствования, мысленно сочиняя её, я
очень плакал. Теперь, возвратившись, сел писать эскизы, и работа пошла так
горячо, так скоро, что менее, чем в четыре дня, у меня совершенно готова была первая
часть и в голове уже ясно обрисовались остальные части.
Половина третьей части
уже готова. По форме в этой симфонии будет много нового, и, между прочим, финал
будет не громкое аллегро, а наоборот, самое тягучее Adagio. Ты не можешь себе
представить, какое блаженство я ощущаю, убедившись, что время еще не прошло и
что работать еще можно. Конечно, может быть, я и ошибаюсь, но кажется, что
нет.»
Брат композитора, М. И.
Чайковский, предложил назвать её «Патетической» — это название свидетельствует
о том, что в симфонии противопоставлены всеобщие и глубокие темы жизни и
смерти. По словам А.
Климовицкого, это «произведение подлинно пророческое, композитор затронул в ней
такие грани человеческой психики, которые станут объектом художнического
интереса только в XX столетии». Начинается
симфония медленным вступлением. Из сумрачных глубин постепенно вырастает
скорбный мотив. В основе главной партии тот же мотив, но перенесенный в верхний
регистр, в другой инструментовке, в ускоренном темпе. В ней — смятение, трепет,
тепло… Но на смену этой теме спешат другие образы: марш, затем какое-то
суетливое мельканье, скользящие блики, предвещающие музыкальную атмосферу
скерцо.
.. Движение, все нарастающее, хотя и изменчивое, приводит к вступлению
зловещих фанфар. Прерывается звуковой поток, остается лишь одинокий голос
альта. Замолкает и он, и вступает тема побочной партии. Скрипичная мелодия —
символ того недостижимого идеала, к которому вечно стремится душа, — считается
самой прекрасной из прекраснейших мелодий Чайковского. Экспозиция заканчивается
пианиссимо. А вслед — страшный, сокрушительный удар. Словно колоссальным
взрывом начинается разработка. Напряженное действие разворачивается, идет
ожесточенная, смертельная борьба. Волна за волной накатывается тема
православного песнопения «Со святыми упокой». На гребне кульминации началась
динамическая реприза главной темы. В ней с прежней силой продолжается битва,
достигающая своей высшей точки в трагическом диалоге тромбонов со струнными. После
паузы, без всякого перехода, без подготовки звучит полная красоты побочная
тема. Ее постепенным уходом, мерным движением на фоне нисходящих пиццикато
заканчивается первая часть.
Вторая часть симфонии —
необычный вальс размером не на три, как обычно, а на пять четвертей. Его
мелодия грациозна, изящна, порой даже кокетлива. В среднем разделе появляются
скорбные от звуки первой части , в коду вальса проникают грустные интонации.
Передышка кончилась. В
третьей части, скерцо, сама жизнь с ее стихийной силой, с ее жестокой,
неумолимой борьбой. Первоначальная суета, мелькание отдельных мотивов,
красочная разноголосица по степенно превращается в марш — четкий, уверенный.
Он все подчиняет себе, разрастаясь в колоссальную грозную и торжествующую силу.
Финал начинается как
скорбная песнь о разбитых надеждах, может быть — о погибшей жизни. Главная тема
— это почти та же мелодия, что и в побочной партии первой части. Она начинается
теми же звуками, в ней те же интервальные ходы, тот же взлет пассажа. Но
изменилась тональность — си минор, мрачный, траурный вместо солнечного ре
мажора. Мелодия не доводится до конца — она не допета, словно не хватает сил.
Вторая
тема, более светлая, на трепетном триольном фоне, также заимствована из
побочной партии первой части, словно возвращает нас к другой ее стороне. Таким
образом, весь финал основан на отдельных мотивах темы, символизировавшей в
начале симфонии прекрасный и, как оказалось, недостижимый идеал. Лирическая и
скорбная медленная заключительная часть симфонии несет в себе образы не только
печали, но и сочувствия, протеста против несправедливости судьбы, тоски по
недостижимому, недостигнутому идеалу, преклонение перед ним. Словами невозможно
передать программу этой исповеди души. Только музыка способна выразить
воспоминания и мечты, надежды и разочарования, жизнь и смерть.
Английский
композитор и музыкальный писатель Д. Тови назвал медленный финал Шестой
симфонии «гениальной находкой, решающей все художественные проблемы, которые
так запутаны композиторами после Бетховена». Смелое для своего времени
новаторское решение привело к глубокому переосмыслению всех элементов
симфонического цикла, не нарушающему, однако, логической точности,
законченности целого и строгой соподчиненности отдельных его частей.
Как
следует из писем композитора, создание симфоний было для него актом
самовыражения – «музыкальной исповедью души», «чисто лирическим процессом». По
словам Т.В. Чередниченко, симфоническое действие у него «как бы отягощено той
психологической склонностью, которую критики русской интеллигенции любят
называть «самокопанием». Представляя собой синтез всех достижений европейского
симфонизма XIX века в послебетховенскую пору, Шестая симфония Чайковского
явилась одновременно решительным прорывом в будущее. Поэтому значение ее могло
быть в полной мере понято только позднейшими поколениями в свете новых
художественных завоеваний XX столетия.
Через девять дней после
первого исполнения последней симфонии Петр Ильич Чайковский скончался, и
начался её путь в бессмертие.
Ромео и Джульетта в классической музыке: Петр Ильич Чайковский
by Sidney PrimCategories Искусство и развлечения Классическая музыка
Произведение Чайковского « Ромео и Джульетта » было увертюрой-фантазией, как назвал ее сам композитор.
Впервые она была закончена и премьера состоялась в 1870 году. Теплый прием заставил Чайковского принять предложения Балакирева , который предложил композицию и переработал произведение. Премьера второй версии состоялась в 1872 году и опубликована в Германии. Однако Балакирева версия не удовлетворила, и Чайковский продолжал ее перерабатывать. В 1880 году версия, которая стала тем, что мы знаем сегодня, была закончена, но только в 1886 году состоялась премьера этой окончательной версии.
Подобно использованию мотивов Берлиозом, Чайковский использовал темы для обозначения персонажей или событий — конфликта между Капулетти и Монтекки, уважаемого монаха Лоуренса, любви между Ромео и Джульеттой и битвы между двумя семьями. Кроме того, валторны символизируют Ромео, а флейты представляют Джульетту.
Структурно увертюра-фантазия имеет сонатную форму, включающую три основных раздела: экспозицию, развитие и репризу. Работа сосредоточена на битве между двумя семьями, которая происходит в перепросмотре и приводит всю пьесу к кульминации в конце.
Тема любви, означающая любовь Ромео и Джульетты, претерпевает трансформацию от момента их встречи до момента после ожесточенной битвы. Превращая трагическую историю любви в музыкальную историю, Чайковский успешно передает напряжение, драматизм и сильную любовь нотами и инструментами.
Полная запись:
Представляя любовь между Ромео и Джульеттой, вторая тема (тема любви) имеет особое значение. Впервые она появляется в 8:30 (м. 183) в исполнении английского рожка и альта, а затем вторая половина темы исполняется струнными (см. Пример 2.1).
Пример 2.1: Первое появление темы любви, мм. 183–191 (8:30)
Первая часть темы затем исполняется на флейтах в сопровождении валторн на 9:38 (м. 212, см. пример 2.2). В 10:30 (м. 344) тему снова играют флейты и валторны. Чистота и мир, олицетворяющие зарождающуюся любовь между Ромео и Джульеттой, контрастируют с бесконечными битвами двух семей.
Их любовь может быть обречена, но прекрасна, чиста и вечна, поскольку тема любви витает в воздухе. Обратите пристальное внимание на флейты и валторны и представьте, что Ромео и Джульетта танцуют среди всего происходящего.
Пример 2.2: Тема любви в исполнении флейты и валторны, мм. 212–225 (9:38)
Тема любви на время исчезает; на самом деле тема любви нигде не слышна в разделе разработки, так как на поле боя нет места для романтики. Когда вторая половина любовной темы возвращается в разделе перепросмотра в 15:40 (м. 388), то, что раньше играли флейты, не передается струнным, но валторны по-прежнему играют аккомпанемент (см. пример 2.3). Отсутствие флейт, по-видимому, предполагает (фальшивую) смерть Джульетты, а Ромео одинок в любовном дуэте.
Пример 2.3: Любовная тема возвращается без флейт, мм. 388–398 (15:40)
Когда тема любви снова возвращается в 16:30 (м. 410) и 17:25 (м. 435), валторны и флейты уже не являются основными инструментами.
Пара больше не разыгрывает любовь между Ромео и Джульеттой; вместо этого трагическую историю любви рассказывают другие рассказчики или те, кто знает их историю.
В разделе коды тема любви воспроизводится в минорном ладу на 19:08 (м. 485), подчеркивая трагический элемент истории. При окончательном возвращении темы в 21:00 (м. 509), тема обыгрывается струнными с экспансивностью и миролюбием. По прошествии времени о трагедии вспоминают, пожалуй, только со сладостью и оттенком горечи.
Эта интерпретация с использованием трансформации одной темы, конечно, упрощена, но предлагает один из способов увидеть, как любовная история из литературы может быть превращена в драму в инструментальной музыке. Понятно, что в 20-минутном произведении невозможно представить все детали этой истории любви; тем не менее, фантастическая увертюра Чайковского изображает сильную любовь, борьбу, душераздирающую печаль и превосходящую любовь с яркостью и красотой.
Посмотреть партитуры и записи можно здесь.
Начните обучение с 30-дневной бесплатной пробной версии! Попробуйте наши музыкальные курсы!
О Liberty Park Music
LPM — музыкальная онлайн-школа. Мы преподаем различные инструменты и стили, включая классическую и джазовую гитару, фортепиано, барабаны и теорию музыки. Мы предлагаем качественные уроки музыки, разработанные аккредитованными педагогами со всего мира. Наша растущая база данных, содержащая более 350 уроков, включает в себя множество функций — самооценку, живые чаты, викторины и т. д. Учитесь музыке с LPM в любое время и в любом месте!
Нажмите ниже, чтобы узнать больше:
Категории Искусство и развлечения Классическая музыка
Чайковский: с чего начать свою музыку | Классическая музыка
Петр Ильич Чайковский (1840–1893 гг.) был композитором, поместившим Россию на международную музыкальную карту благодаря своему уникальному личному стилю – глубоко русскому языку, но сочетающему и поддерживающему западноевропейские симфонические традиции.
Его музыка заключает в себе удивление и радость, а также страсть, невроз и глубокую трагедию: фаталистичность некоторых из его более поздних работ отражает часто несчастливую жизнь, сложности которой вызвали обширный анализ, некоторые из которых сенсационные. Недавние исследования показали, что он отнюдь не всегда чувствовал себя неловко из-за своей сексуальной ориентации, как считалось ранее.
Музыка, которую вы можете узнать
Эмоционально непосредственный и несравненный мелодист, Чайковский является одним из самых популярных композиторов. Среди его самых известных произведений — Первый фортепианный концерт, балеты «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик», увертюра «1812 год» (с пушками), скрипичный концерт и Шестая «Патетическая» симфония. Его музыка рекламировала все, от хлопьев до шоколада, и использовалась в бесчисленных фильмах. Кен Рассел «Любители музыки» (1970) — неточный, перегруженный байопик; «Лебединое озеро» легло в основу «Черного лебедя» Даррена Аронофски, а несколькими десятилетиями ранее оно было знаменито пародировано в «Разведчиках» Моркамба и Уайза.
Его жизнь
Родился в Воткинске, второй из шести детей управляющего металлургическим заводом и его второй жены. Увлекшись музыкой в раннем детстве, он начал сочинять уже в четыре года. В возрасте 10 лет его отправили за тысячу верст в Императорское училище правоведения в Санкт-Петербурге, чтобы он стал государственным служащим. Травма разлуки с матерью усугубилась ее смертью от холеры четыре года спустя.
Работая в Министерстве юстиции, он брал частные уроки композиции, однако важным поворотным моментом стал 1862 год с основанием Санкт-Петербургской консерватории, которую он сразу же поступил и окончил в 1865 году, произведя впечатление на своего учителя Антона Рубинштейна, что последний порекомендовал Чайковского своему брату-пианисту Николаю, который назначил его профессором гармонии в новой Московской консерватории, и занимал эту должность до 1878 года.
Неуверенность в себе… Чайковский в молодости.
Фотография: Hulton Archive/Getty Images
Очень нервный, он был склонен к неуверенности в себе, которая преследовала его на протяжении всей его карьеры.
Его меланхоличная Первая симфония «Зимние грезы», начатая в 1866 году, ознаменовала появление его индивидуального голоса. Он всегда утверждал, что это стоило ему больше страданий, чем любая другая его работа. Первая из его опер, «Воевода», была исполнена в Большом театре в 1869 году, но впоследствии Чайковский уничтожил партитуру, повторно используя часть ее материала в более поздних произведениях.
Его академическое положение, тем временем, привело к тому, что к нему настороженно относились националистически настроенные композиторы-самоучки во главе с Милием Балакиревым, в том числе Мусоргский и Бородин, которые отвергали консерваторское образование как западное и, следовательно, «иностранное», хотя они восхищался Второй симфонией Чайковского «Малороссийская», уходящей корнями в украинскую народную музыку. Именно Балакирев подсказал Чайковскому тему «Ромео и Джульетты», начатую в 1869 году., и первая из серии симфонических поэм, в которую входят «Буря» (1873 г.), « Франческа да Римини» (1876 г.
) и « Гамлет» (1888 г.).
Его прекрасная Третья симфония «Польская» датируется 1875 годом, как и его Первый фортепианный концерт, предназначенный для Николая Рубинштейна, который сначала назвал ее неиграбельной, о чем впоследствии сожалел. Его подхватил немецкий пианист-дирижер Ганс фон Бюлов, впервые выступивший в Бостоне в том же году. Тем временем «Лебединое озеро» на премьере 1877 года считалось чрезмерно симфоническим и стало успешным только после того, как Мариус Петипа поставил его заново для Мариинского театра в 189 году.5, через два года после смерти Чайковского.
… и времена
Карьера Чайковского как композитора совпала с великим расцветом русской литературы XIX века, начатым Пушкиным и Лермонтовым в 1820-х и 30-х годах и доминировавшим в 1860-х и 70-х годах Достоевским и Толстым. Толстой был до слез тронут Анданте Кантабиле из Первого струнного квартета Чайковского, и во время визита в Москву в 1876 году для наблюдения за публикацией «Анны Карениной» прибыл без предупреждения в консерваторию и настоял на разговоре с композитором.
Они встречались несколько раз, но записи их разговоров не сохранились. В своей более поздней переписке Чайковский признался, что испытывает благоговение, а также выразил недоумение по поводу двойственного отношения Толстого к Бетховену.
Королевский балет представляет «Лебединое озеро» в марте 2020 года. Фото: Тристрам Кентон/The Guardian
1876 год также ознаменовал начало его отношений с Надеждой фон Мекк, вдовой богатого инженера-железнодорожника и большой поклонницей музыки Чайковского, которая предложила ему ежегодное пособие при условии, что они никогда не встречаются.
В 1877 году случился кризис, когда Чайковский решил жениться на Антонине Милюковой, бывшей ученице, написавшей ему несколько любовных писем. гомосексуальность был запрещен в России, хотя и принимался в аристократических и артистических кругах. По необходимости отношения Чайковского с мужчинами всегда были и должны были оставаться сдержанными, и его решение часто приписывают сочетанию вины и страха публичного разоблачения в то время, когда его репутация неуклонно росла.
Брак, однако, оказался катастрофическим: супруги расстались через девять недель, но так и не развелись. Чайковский, однако, впоследствии стал принимать «то, что я есть по природе», как он сказал своему брату Анатолию в 1878 году. Ничто в его более поздней переписке не указывает на человека, обеспокоенного своей сексуальностью.
Во время женитьбы он работал над Четвертой симфонией и начал оперу «Евгений Онегин», обе закончены в 1878 году. реализм и сдержанная драматургия, что в какой-то мере сближает его с поздним чеховским театром, чем с чем-либо условно-оперным. В симфонии доминирует идея судьбы, представленная яростным девизом, брошенным духовыми инструментами в начале, а грандиозная первая часть с ее призрачными танцами и намеками на разочарование превращает обычную симфоническую структуру в нечто радикально новое и глубоко личное. .
Между тем покровительство фон Мекка позволило Чайковскому отказаться от своего преподавательского поста и каждую зиму много путешествовать по Европе, возвращаясь на лето в Россию, снимая дома сначала в Майданово, а затем в Клину, оба к северу от Москвы.
В 1880 году был завершен Второй фортепианный концерт, более ярко выраженный, чем Первый, а также сочинение Серенады для струнных и увертюры 1812 года, премьера которых состоялась двумя годами позже в ознаменование 70-летия изгнания из России императора Наполеона. армия. Глубоко потрясенный смертью Николая Рубинштейна в 1881 году, Чайковский написал свое запоминающееся Трио для фортепиано минор, посвященное памяти великого артиста, а в 1886 году состоялась премьера бурной Симфонии Манфреда, основанной на поэме Байрона.0003
Тема судьбы снова всплыла в его первоначальных планах Пятой симфонии 1888 года и окрасила оперу «Пиковая дама» (1890), задумчивый, навязчивый шедевр, также основанный на Пушкине. В 1890 году также состоялось первое исполнение «Спящей красавицы», его самого успешного балета за всю его жизнь, хотя в том же году фон Мекк, тяжело больной туберкулезом и опасаясь возможного банкротства, разорвал и ее покровительство, и дружбу с Чайковским, что вызвало ему ужасное горе. Однако его международная карьера продолжала процветать.
В 1891 он посетил Соединенные Штаты, чтобы дирижировать исполнением собственных произведений на открытии Карнеги-холла, а в 1893 году был удостоен звания почетного доктора Кембриджского университета. Его заключительные сценические произведения, опера «Иоланта» и балет «Щелкунчик», впервые были исполнены в двойном афише в Санкт-Петербурге в 1892 году. от холеры после употребления некипяченой воды. Произведение представляет собой во многом зрелое трагическое высказывание, хотя буйство развивающей части первой части и, в частности, безнадежный медленный финал неизбежно стали расцениваться как предвестники. За прошедшие годы было выдвинуто несколько теорий о том, что Чайковский покончил с собой, возможно, чтобы избежать сексуального скандала, но ни одна из них не была окончательно доказана.
Почему он все еще имеет значение
Чайковский изменил параметры русской музыки, многие из которых берут его за отправную точку. Без него немыслимы симфонии Шостаковича и Прокофьева. Его балеты, одни из величайших из когда-либо созданных, доминируют в мировом репертуаре и привнесли новую серьезность и целостность в жанр, ранее считавшийся незначительным, проложив путь более поздним достижениям Глазунова, Стравинского, Равеля, Прокофьева и других.
Хотя многие оперы Чайковского до сих пор являются сравнительной редкостью за пределами России, «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» занимают центральное место в репертуаре каждого крупного оперного театра мира.
Великие исполнители
Фелисити Палмер (Графиня) и Владимир Стоянов (Принц Елецкий) в опере «Пиковая дама» в Королевском оперном театре, 2019 г. Фото: Тристрам Кентон/The Guardian Герберта фон Караяна, Мстислава Ростроповича и Марисса Янсонса, хотя сет Валерия Гергиева LSO Live из первых трех вызвал большое восхищение, когда он был выпущен в 2012 году, а записи №№ 4-6 Евгения Мравинского особенно выдающиеся. Зажигательное исполнение фортепианных концертов Эмиля Гилельса до сих пор терпит поражение. У меня огромная слабость к изысканным записям балетов Эрнеста Ансермета, хотя есть и превосходные современные альтернативы от Гергиева и Неэме Ярви. «Евгений Онегин» Семена Бычкова с покойным великим Дмитрием Хворостовским в главной роли навязчиво красив, а Ростропович, Гергиев и Янсонс сделали потрясающие записи «Пиковой дамы».