Содержание
россиян возмутила пародия на волгоградскую скульптуру «Родина-мать зовет!» • СоцИнформБюро
«Издевательский и отвратительный перфоманс»: россиян возмутила пародия на волгоградскую скульптуру «Родина-мать зовет!»
Общество
7
Автор: Юлия Соболева
Внимание общественности привлек перформанс киевского художника Олега Кулика «Большая Мать» на выставке «Арт-Москва» в Гостином дворе.
Как стало известно ИА «СоцИнформБюро», «Арт-Москва» – крупнейшая и старейшая художественная ярмарка в столице. В нынешнем году она возобновила свою работу со скандалом – один из экспонатов вызвал большой общественный резонанс.
Речь идет о композиции киевского художника Олега Кулика «Большая Мать». Скульптура с мечом в позе знаменитой «Родина-мать зовет!» Евгения Вучетича также держит в правой руке меч, но выглядит как обнаженная женщина с избыточным весом.
Внизу ее поддерживают на тросах мужские фигуры различной комплекции.
Известно, что автором спорной композиции стал представитель «московского акционизма» родом из Киева Олег Кулик. Он – постоянный участник ведущих мировых выставок (Венецианская Биеннале, Стамбульская Биеннале и Биеннале в Сан-Паулу, выставки в Париже и Вене, Барселоне и Киото, Нью-Йорке и Кёльне, «Арт-Москва»). Кулик запомнился широкой творческой публике образом «бешеного пса» – голым на цепи он охранял вход в частную галерею. Акция неожиданно возымела большой успех и приобрела международный масштаб.
Организаторов закидали гневными сообщениями
Однако далеко не все оценили «Большую мать».
– Сегодня в России всеобщее возмущение пародией на великую скульптуру Родина Мать в Сталинграде. Эта пародия выставлена на выставке в Москве, в Гостином Дворе. Это 200 метров примерно от Красной площади и 400 метров от Кремля. Возможно, это всеобщее возмущение приведет к серьезным переменам в политическом руководстве культурой в Москве, – написал политолог Сергей Марков.
– Полагаю, сей издевательский и отвратительный перформанс, проведенный во время, когда наши солдаты и офицеры сражаются и гибнут за Родину-мать, должен получить официальную оценку. И у него должны быть официальные последствия. Мерзостям человекопсов не должно быть места на улицах, площадях и в выставочных залах России, – жестко прокомментировал сенатор Алексей Пушков.
Не оценили скульптуру и простые обыватели, которые засыпали официальную группу «Арт-Москвы» гневными высказываниями.
– Невозможно просто так поставить в центре Москвы это чудовищное уродство. Лучшие художники и скульптуры не смогут поставить свои работы. У этого всего есть конкретные должности и фамилии,
– Скульптура зеркалит внутренний мир авторов и организаторов. Мамаев курган – место откуда началось поражение фашистов во времена ВОВ, это место переполненное горечью и надеждой, знаковое для нас как для народа и именно поэтому сейчас идёт атака на Родину-мать, – написали пользователи, а многие посоветовали обратиться в ФСБ и прокуратуру.
К слову, в администрации Волгограда и музее-заповеднике «Сталинградская битва» на наши официальные запросы пока не ответили, поэтому неизвестно, будут ли предприняты какие-либо действия в отношении спорной композиции.
Родина-мать зовет!/СоцИнформБюро
Для справки: Скульптура «Родина-мать зовёт!» — композиционный центр памятника-ансамбля «Героям Сталинградской битвы» на Мамаевом кургане в Волгограде. Одна из самых высоких статуй мира, высочайшая статуя России(без постамента — самая высокая статуя в мире на момент постройки и в течение последующих 22 лет). Статуя является аллегорическим образом Родины, зовущей своих сыновей на битву с врагом.
Читать volgasib.ru в
Информационное агентство СоцИнформБюро. 18+
Свидетельство о регистрации ИА №ФС77-74604 от 24 декабря 2018г. выдано Федеральной службой по надзору в сфере связи, информационных технологий и массовых коммуникаций.
Учредитель СМИ:АО «ЕДКММ»
2008-2022
история возведения и в каком году построили
«Родина-мать» – всем известная грандиозная статуя, установленная в Волгограде.
Она была построена в 1960-е годы в СССР. Рассмотрим, кто создавал памятник «Родина-мать», описание и технические характеристики, кто был прообразом памятника, как проходило строительство монумента. Когда и как была проведена реставрация. Как добраться до памятника в Волгограде.
Содержание
Сама скульптура установлена в центре ансамбля, посвященного героям Сталинградской битвы. Сражение завершилось победой советской армии и ознаменовало собой переломный момент в войне. Но победа далась слишком дорогой ценой, погибло множество солдат. Немцы же потерпели первое за годы войны сокрушительное поражение, которое изменило ход войны. Место, где стоит памятник, советские солдаты доблестно защищали в течение 135 дней. Подсчитано, что на каждый кв. метр земли тут приходится свыше тысячи осколков и пуль.
Находится комплекс в Волгограде, на Мамаевом кургане. «Родина- мать» – самая высокая статуя в России и Европе и одна из высочайших в мире. Скульптура сделана в форме женщины с мечом в поднятой руке.
Она олицетворяет собой Родину, которая зовет своих сыновей на бой с врагом.
История создания
На момент создания памятника он был самым высоким в мире, и была занесена в Книгу рекордов Гиннесса. К памятнику ведут 200 гранитных ступеней, их число равняется количеству дней Сталинградской битвы.
Это первый памятник, сделанный из железобетона. На тот момент это был доступный и дешевый материал. Но он же вызвал и некоторые проблемы: через год после того, как был открыт монумент, на поверхности стали появляться трещинки. Чтобы устранить этот недостаток, поверхность фигуры начали покрывать средством с водоотталкивающим свойством.
Технические данные
Материал для скульптуры – металлические конструкции, которые весят 2400 тонн (в это число не входят материалы, использованные для основания) и бетон в количестве 5500 тонн.
Таким образом, вес монумента равняется около 8000 тонн. Скульптуру отливали единоразово, не частями, чтобы не образовывались швы между слоями.
Фигура имеет высоту 85 м, бетонный фундамент – высоту 16 м, но некоторая его часть скрыта под землей. Без меча высота фигуры составляет 52 м. Фигура женщины полая, составлена из ячеек, толщина стенок равняется 25-30 см. Чтобы каркас был устойчивым, внутри находятся 117 натянутых тросов.
Меч в руках у фигуры длиной 33 м, весит 14 тонн. Изначально его изготовили из нержавеющей стали с обшивкой титановыми листами. Но большой вес и парусность элемента вызывали раскачивание под действием ветра. От этого в месте крепления руки листы титановой обшивки также деформировались и издавали звук гремящего металла. В 1972 г. меч заменили полностью стальным. Для уменьшения парусности в верхней части элемента были сделаны отверстия.
Автор памятника
Автор скульптуры – Е. В. Вучетича, также над ней работал руководитель группы инженер Н.
В. Никитина.
В. Никитина.Группа состояла из нескольких талантливых специалистов, хорошо знающих свое дело.
Каким мог быть памятник?
Идеи, как будет выглядеть памятник, начали поступать уже в 1944 г., когда война на территории страны еще не была завершена. Но уже тогда был объявлен конкурс на лучший проект. Создать свой проект могли не только скульпторы, но и обычные люди. Участвовали даже солдаты, которые посылали эскизы через военно-полевую почту. Несмотря на несхожесть проектов, их объединяла общая черта – предполагалось построить огромную фигуру, высота которой соответствовала бы великой Победе.
Композиция могла выглядеть по-другому. Сначала предполагалось сделать рядом с фигурой женщины фигуру солдата, стоящего на коленях, который протягивает ей меч. Но эта композиция показалась автору слишком сложной. Проект был изменен уже после того, как его одобрили представители руководства страны. Автор объяснил это тем, что солдат не может передать свой меч, так как война еще не закончилась.
Помимо этого, создать композицию с двумя фигурами было сложнее технически, чем с одной.
Кто стал прообразом «Родины-матери»?
Есть сведения о том, что скульптор лепил фигуру женщины со спортсменки Нины Думбадзе, а лицо – со своей жены Веры. Но также вероятно, что позировали ему и другие женщины. Утверждается, что у скульптуры есть общее с фигурой «Марсельезы», установленной на Триумфальной Арке в Париже. Есть очевидное сходство с позой статуи Ники Самофракийской.
В теме меча есть параллели с монументом «Тыл – фронту», расположенном в Магнитогорске, а также композицией «Воин-освободитель», расположенной в Берлине в Трептов-парке. Эти три композиции создают своеобразный триптих на общую тему. Силуэт памятника с 2000 г. находится на гербе Волгоградской области.
Строительство
Окончательный план композиции был разработан и утвержден в 1959 г. и тогда же началось строительство. Оно продолжалось 8 лет – до 1967 г. Руководил проектом и строительством с самого начала, когда оно началось, и до завершения автор проекта.
Реставрация
Конечно, такому высокому и мощному памятнику, к тому же сделанному из достаточно хрупкого материала, довольно скоро понадобилась реставрация. Ремонт в 20 веке проводили 2 раза – в 1972 и 19 86 г. В первый раз был отремонтирован меч. Все работы контролировал инженер Н. Никитин. Однако еще в 1965 г. Госстрой СССР рекомендовал усилить фундамент скульптуры, чтобы снизить вероятность возможного сползания в сторону реки.
В 21 веке ремонтные работы проводились с 2008 по 2016 г. Последний частичный ремонт был выполнен в 2010 г., тогда было уделено внимание безопасности. В 2017 г. были проведены работы, предупреждающие возможность возникновения аварийных ситуаций.
Особенностью скульптуры является то, что она никак на закреплена на постаменте, а просто стоит на нем, оставаясь неподвижной под собственным весом. Современные дополнения коснулись поддерживающих канатов – их заменили и установили датчики, следящие за натяжением. Был сделан ремонт и в помещениях внутри статуи, заменена система пожаротушения и освещение.
В 2019 г. пришлось реставрировать поверхность, работы были окончены в 2020 г., к празднованию 75-летия Победы. Ремонт потребовал создания 3 десятков ярусов строи тельных лесов, которые поднялись на высоту 60 м. Общий вес их составил 270 тонн. Была очищена поверхность ото мха и загрязнений, заделаны трещины. Отреставрировали цвет, который памятник имел после строительства. Также были восстановлены куски арматуры, которые успели проржаветь.
В общей сложности были решены вопросы укрепления, повышения устойчивости и повышены безопасности. Скульптура приобрела обновленный вид. В ближайшее время ремонт ей не потребуется.
Как добраться до монумента «Родина-мать зовет!»
Доехать до памятника можно из Волгограда на общественном транспорте. К комплексу проложены маршруты любого вида городского транспорта: есть автобусные, трамвайные, троллейбусные. Можно добраться электричкой, такси. От центра города можно дойти и пешком, тем более что высокая статуя прекрасно видна с любой точки города.
Также можно добраться на собственном автомобиле.
Во время строительства памятника «Родина-мать» была выполнена огромная работа. Он стал символом победы в одной из самых главных битв Великой Отечественной войны. Его посещали миллионы людей в Советском Союзе, и сегодня этот комплекс представляет интерес для туристов.
Комплекс недавно полностью отреставрирован, приведен в порядок. Для тех, кто не безразличен к истории своей страны, уважает память солдат, отдавших жизнь ради великой Победы, это место должно быть в списке того, что нужно увидеть обязательно. Доехать до него несложно от центра Волгограда на любом транспорте в любой день года. Посещение свободное, возле памятника всегда много людей – жителей города и его гостей.
История этой необычной скульптуры восходит к 1974 году, когда я |
Скульптор Фрэнсис
Пока
Мы выбрали26 самых известных скульптур всех времен
Фотография: Shutterstock
От доисторических времен до 21 века, вот самые известные скульптуры всех времен позволяет рассмотреть изделие со всех сторон. Будь то прославление исторической личности или создание произведения искусства, скульптура тем более мощна благодаря своему физическому присутствию.
Самые знаменитые скульптуры всех времен мгновенно узнаваемы, они созданы художниками на протяжении веков и из разных материалов, от мрамора до металла.
Как и уличное искусство, некоторые скульптурные произведения большие, смелые, и их нельзя не заметить. Другие образцы скульптуры могут быть деликатными, требующими тщательного изучения. Прямо здесь, в Нью-Йорке, вы можете увидеть важные экспонаты в Центральном парке, выставленные в таких музеях, как The Met, MoMA или Guggenheim, или как публичные произведения искусства под открытым небом. Большинство из этих знаменитых скульптур могут быть идентифицированы даже самым случайным зрителем. От «Давида» Микеланджело до «Шкатулки Брилло» Уорхола — эти культовые скульптуры определяют произведения как своих эпох, так и их создателей. Фотографии не передают эти скульптуры должным образом, поэтому любой поклонник этих работ должен стремиться увидеть их лично для полного эффекта.
Электронное письмо, которое вам действительно понравится
Подпишитесь на нашу рассылку.
Откройте для себя лучшее из города, в первую очередь.
Вводя свой адрес электронной почты, вы соглашаетесь с нашими Условиями использования и Политикой конфиденциальности, а также соглашаетесь получать электронные письма от Time Out о новостях, событиях, предложениях и рекламных акциях партнеров.
🙌 Отлично, вы подписались!
Спасибо за подписку! Ждите скоро свой первый информационный бюллетень в своем почтовом ящике!
Самые известные скульптуры всех времен
Фотография предоставлена Naturhistorisches Museum
1. Венера Виллендорфская, 28 000–25 000 г. до н.э.
Эта крошечная фигурка из истории искусства, высотой чуть более четырех дюймов, была обнаружена в Австрии в 1908 году. Никто не знает, для чего она служил, но догадки варьировались от богини плодородия до помощи мастурбации. Некоторые ученые предполагают, что это мог быть автопортрет, сделанный женщиной. Это самый известный из многих подобных объектов, относящихся к старому каменному веку.
Фотография предоставлена CC/Wiki Media/Philip Pikart.
2. Бюст Нефертити, 1345 г. до н.э. самым противоречивым фараоном древнеегипетской истории: Эхнатоном. Жизнь его королевы, Нефертити, является чем-то загадочным: считается, что она правила как фараон какое-то время после смерти Эхнатона или, что более вероятно, как соправительница мальчика-короля Тутанхамона. Некоторые египтологи считают, что на самом деле она была матерью Тутанхамона. Этот бюст из известняка, покрытый лепниной, считается работой Тутмоса, придворного скульптора Эхнатона.
Advertising
Фотография: предоставлено CC/Wikimedia Commons/Maros M r a z
3. Терракотовая армия, 210–209 гг. до н.э. могила Шихуанди, первого императора Китая, умершего в 210 г. до н.э. По некоторым оценкам, армия, предназначенная для защиты его в загробной жизни, насчитывает более 8000 солдат, а также 670 лошадей и 130 колесниц.
Каждый в натуральную величину, хотя реальный рост зависит от воинского звания.
Фотография предоставлена CC/Wiki Media/LivioAndronico
4. Лаокоон и его сыновья, второй век до н.э. Ватикан, где и находится по сей день. Он основан на мифе о троянском жреце, убитом вместе со своими сыновьями морскими змеями, посланными морским богом Посейдоном в отместку за попытку Лаокоона разоблачить уловку троянского коня. Первоначально установленная во дворце императора Тита, эта фигуративная группа в натуральную величину, приписываемая трем греческим скульпторам с острова Родос, не имеет себе равных в исследовании человеческих страданий.
Advertising
Фото: предоставлено CC/Wikimedia/Livioandronico2013
5. Микеланджело, Давид, 1501-1504
Давид Микеланджело, одно из самых знаковых произведений в истории искусства, берет свое начало в более крупном проекте по украшению контрфорсы великого собора Флоренции, Дуомо, с группой фигур, взятых из Ветхого Завета.
David был одним из них, и фактически он был начат в 1464 году Агостино ди Дуччо. В течение следующих двух лет Агостино успел начертить часть огромной глыбы мрамора, вытесанной из знаменитой каменоломни в Карраре, прежде чем остановиться в 1466 г. (никто не знает почему). недолго работал над ним. Мрамор оставался нетронутым в течение следующих 25 лет, пока Микеланджело не возобновил его резьбу в 1501 году. В то время ему было 26 лет. Законченный Давид весил шесть тонн, а это означало, что его нельзя было поднять на крышу собора. Вместо этого она была выставлена прямо перед входом в Палаццо Веккьо, ратушу Флоренции. Фигура, одно из чистейших воплощений стиля Высокого Возрождения, была немедленно воспринята флорентийской общественностью как символ собственного сопротивления города-государства силам, выстроившимся против него. В 1873 году Дэвид был перемещен в галерею Академии, а его копия была установлена на прежнее место.
Фотография предоставлена CC/Wiki Media/Alvesgaspar
6.
Джан Лоренцо Бернини, Экстаз святой Терезы, 1647–1652 гг. церковь Санта-Мария-делла-Виттория. Барокко было неразрывно связано с Контрреформацией, посредством которой католическая церковь пыталась остановить волну протестантизма, захлестнувшую Европу 17-го века. Произведения, подобные работам Бернини, были частью программы по подтверждению папской догмы, чему отлично послужил гений Бернини, наполняющий религиозные сцены драматическими повествованиями. «Экстази » — тому пример: сюжет — святая Тереза Авильская, испанская монахиня-кармелитка и мистик, написавшая о своей встрече с ангелом, — изображена в момент, когда ангел вот-вот вонзит стрелу ей в сердце. Экстаз эротический подтекст безошибочен, наиболее очевиден в оргазмическом выражении лица монахини и корчащейся ткани, обернувшей обе фигуры. Архитектор, как и художник, Бернини также спроектировал обстановку часовни из мрамора, лепнины и краски.
Реклама
Фотография предоставлена Метрополитен-музеем/фондом Флетчера
7.
Антонио Канова, Персей с головой Медузы, 1804–1806 гг.
Итальянский художник Антонио Канова (1757–1822) считается величайшим скульптором 18-ый век. Его работа олицетворяла неоклассический стиль, как вы можете видеть в его исполнении в мраморе греческого мифического героя Персея. На самом деле Канова сделал две версии произведения: одна находится в Ватикане в Риме, а другая — в Европейском дворе скульптур Метрополитен-музея.
Фотография: The Metropolitan Museum Of Art
8. Эдгар Дега. Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица, 1881/1922
Хотя мастер-импрессионист Эдгар Дега наиболее известен как художник, он также работал в области скульптуры, производя был, пожалуй, самым радикальным усилием его творчества. Дега вылепил «Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица» из воска (из которого после его смерти в 1917 году были отлиты последующие бронзовые копии), но тот факт, что Дега одел своего одноименного персонажа в настоящий балетный костюм (в комплекте с лифом, пачкой и тапочки) и парик из настоящих волос произвели фурор, когда Танцовщица дебютировала на Шестой выставке импрессионистов 1881 года в Париже.
Дега решил покрыть большую часть своих украшений воском, чтобы они соответствовали остальным чертам лица девушки, но он сохранил пачку, а также ленту, повязанную сзади ее волос, что сделало фигуру одним из первых примеров найденного предмета. искусство. Танцовщица была единственной скульптурой, которую Дега выставлял при жизни; после его смерти в его мастерской было найдено еще около 156 экземпляров.
Реклама
Фотография предоставлена Художественным музеем Филадельфии
9. Огюст Роден, Горожане Кале, 1894–1885 гг. Многолетняя война (1337–1453) между Великобританией и Францией имеет более важное значение для истории скульптуры. Заказан парк в городе Кале (где была снята годовая осада англичан в 1346 г., когда шесть городских старейшин предложили себя казнить в обмен на пощаду населения),
Бюргеры отказались от формата, типичного для монументов того времени: вместо фигур, изолированных друг от друга или сложенных в пирамиду на высоком пьедестале, Роден собрал свои объекты в натуральную величину прямо на земле, на уровне зрителя.
Этот радикальный шаг к реализму порвал с героическим отношением, которое обычно применялось к таким работам на открытом воздухе. С Бюргеры Роден сделал один из первых шагов к современной скульптуре.
Фотография предоставлена CC/Flickr/Wally Gobetz
10. Пабло Пикассо, гитара, 19 лет12
В 1912 году Пикассо создал картонный макет произведения, которое оказало огромное влияние на искусство 20-го века. Также в коллекции MoMA на нем была изображена гитара, предмет, который Пикассо часто исследовал в живописи и коллаже, и во многих отношениях Гитара перенесла технику вырезания и вставки коллажа из двух измерений в трехмерное. То же самое он сделал и с кубизмом, собрав плоские формы, чтобы создать многогранную форму с глубиной и объемом. Нововведение Пикассо заключалось в том, чтобы отказаться от обычного вырезания и моделирования скульптуры из твердой массы. Вместо этого Гитара была скреплена как конструкция.
Эта идея отразится от русского конструктивизма до минимализма и далее. Через два года после изготовления Guitar из картона Пикассо создал эту версию из обрезанной жести.
Реклама
Фотография: The Metropolitan Museum Of Art
11. Умберто Боччони, Уникальные формы непрерывности в пространстве, 1913 г. явный бред движения, чем эта скульптура одного из его корифеев: Умберто Боччони. Начав как художник, Боччони обратился к работе в трех измерениях после 19 лет.13 поездка в Париж, в ходе которой он посетил мастерские нескольких скульпторов-авангардистов того периода, таких как Константин Бранкузи, Раймон Дюшан-Вийон и Александр Архипенко. Боччони синтезировал их идеи в этом динамичном шедевре, изображающем шагающую фигуру в «синтетической непрерывности» движения, как это описал Боччони. Первоначально произведение было создано из гипса, и его знакомая бронзовая версия не была отлита до 1931 года, то есть уже после смерти художника в 1916 году, когда он был солдатом итальянского артиллерийского полка во время Первой мировой войны.
0018 Фотография предоставлена CC/Flickr/Steve Guttman NYC
12. Константин Бранкузи, мадемуазель Погани, 1913 г.
Родившийся в Румынии, Бранкузи был одним из самых важных скульпторов модернизма начала важные фигуры во всей истории скульптуры. Своего рода протоминималист, Бранкузи брал формы у природы и превращал их в абстрактные представления. На его стиль повлияло народное искусство его родины, в котором часто использовались яркие геометрические узоры и стилизованные мотивы. Он также не делал различия между объектом и основой, рассматривая их в некоторых случаях как взаимозаменяемые компоненты — подход, который представлял собой решающий разрыв со скульптурными традициями. Это культовое произведение представляет собой портрет его модели и возлюбленной Маргит Погани, венгерской студентки-искусствоведа, с которой он познакомился в Париже в 1910. Первая итерация была вырезана из мрамора, за ней последовала гипсовая копия, из которой была сделана эта бронза.
Сама штукатурка была выставлена в Нью-Йорке на легендарной Оружейной выставке 1913 года, где критики осмеяли ее и осудили. Но это также была самая воспроизводимая часть в шоу. Бранкузи работал над различными версиями Mlle Pogany около 20 лет.
Реклама
Фото: предоставлено Музеем современного искусства
13. Дюшан, «Велосипедное колесо», 1913 г.
Велосипедное колесо считается первым революционным реди-мейдом Дюшана. Однако, когда он завершил работу в своей парижской студии, он действительно понятия не имел, как ее назвать. «Мне пришла в голову удачная идея прикрепить велосипедное колесо к кухонному табурету и смотреть, как оно вращается», — говорил позже Дюшан. Дюшану потребовалась поездка в Нью-Йорк в 1915 году и знакомство с обширным производством товаров фабричного производства, чтобы Дюшан придумал термин «готовый товар». Что еще более важно, он начал понимать, что создание искусства традиционным, ручным способом казалось бессмысленным в индустриальную эпоху.
Зачем беспокоиться, утверждал он, когда широко доступные промышленные товары могут справиться с этой задачей. Для Дюшана идея произведения искусства была важнее того, как оно было сделано. Это понятие — возможно, первый настоящий пример концептуального искусства — полностью изменит историю искусства в будущем. Однако, как и обычный предмет домашнего обихода, оригинал Велосипедное колесо не сохранилось: эта версия на самом деле является точной копией, датируемой 1951 годом. Колдер, Цирк Колдера, 1926-31
Любимое украшение постоянной коллекции Музея Уитни, Цирк Колдера воплощает в себе игривую сущность, которую Александр Колдер (1898–1976) привнес в жизнь как художник, который помог сформировать скульптуру 20-го века. . Цирк , созданный во время пребывания художника в Париже, был менее абстрактным, чем его подвесные «мобили», но по-своему был таким же кинетическим: сделанный в основном из проволоки и дерева, Цирк служил центральным элементом импровизационных представлений, в которых Колдер перемещал различные фигуры, изображающие акробатов, глотателей мечей, укротителей львов и т.
Д., Подобно богоподобному начальнику манежа.
Реклама
Фото: предоставлено музеем Дж. Пола Гетти
15. Аристид Майоль, L’Air, 1938
Как живописец и дизайнер гобеленов, а также скульптор, французский художник Аристид Майоль (1861–1944) лучше всего может быть описан как современный неоклассик, придавший обтекаемую форму, 20-е гг. векового вращения на традиционной греко-римской скульптуре. Его также можно охарактеризовать как радикального консерватора, хотя следует помнить, что даже современники-авангардисты, такие как Пикассо, создавали работы в адаптации неоклассического стиля после Первой мировой войны. Темой Майоля была обнаженная женщина, а в L’Air , он создал контраст между материальной массой своего объекта и тем, как она кажется парящей в пространстве, уравновешивая, так сказать, непреклонную телесность с мимолетным присутствием.
Фотография предоставлена CC/Flickr/C-Monster
16.
Яёи Кусама, Accumulation No 1, 1962
Японский художник, работающий в различных техниках, Кусама приехал в Нью-Йорк в 1957 году, а в 1972 году вернулся в Японию. Тем временем она зарекомендовала себя как крупная фигура городской сцены, чье искусство коснулось многих основ, включая поп-арт, минимализм и перформанс. Как женщина-художник, которая часто упоминала женскую сексуальность, она также была предшественницей феминистского искусства. Творчеству Кусамы часто свойственны галлюциногенные паттерны и повторения форм, склонность, коренящаяся в определенных психологических состояниях — галлюцинациях, ОКР — она страдала с детства. Все эти аспекты искусства и жизни Кусумы отражены в этой работе, в которой обычное мягкое кресло пугающе поглощено похожим на чуму вспышкой фаллических выступов, сделанных из сшитой набивной ткани.
Реклама
Фотография: Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, © 2019 Estate of Marisol/ Художественная галерея Олбрайт-Нокс/Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк
17.
Марисоль, Женщины и собака, 1963-64
Марисоль Эскобар (1930–2016), известная просто по имени, родилась в Париже в семье венесуэльцев. Как художник она стала ассоциироваться с поп-артом, а затем с оп-артом, хотя стилистически она не принадлежала ни к одной из групп. Вместо этого она создала фигуративные картины, задуманные как феминистская сатира на гендерные роли, знаменитости и богатство. В Женщины и собака она берет на себя объективацию женщин и то, как навязанные мужчинами стандарты женственности используются, чтобы заставить их соответствовать.
Фотография предоставлена CC/Flickr/Rocor
18. Энди Уорхол, Brillo Box (Soap Pads), 1964
Brillo Box, пожалуй, самая известная из серии скульптурных работ, созданных Уорхолом в середине 60-х годов. что фактически привело его исследование поп-культуры к трем измерениям. Верный названию, которое Уорхол дал своей мастерской — «Фабрика», — художник нанял плотников для работы на сборочной линии, скрепляя вместе деревянные ящики в форме коробок для различных продуктов, включая кетчуп Heinz, кукурузные хлопья Kellogg’s и суп Campbell’s, а также хорошо мыльные подушечки Brillo.
Затем он покрасил каждую коробку в цвет, соответствующий оригиналу (белый в случае Brillo), прежде чем добавить название продукта и логотип на шелкографии. Коробки, созданные в несколько экземпляров, часто выставлялись большими штабелями, эффективно превращая любую галерею, в которой они находились, в высококультурное факсимиле склада. Их форма и серийное производство, возможно, были данью или пародией на зарождавшийся тогда минималистский стиль. Но реальная точка Brillo Box — это то, как его близкое приближение к реальной вещи подрывает художественные условности, подразумевая, что нет реальной разницы между промышленными товарами и работой из мастерской художника.
Advertising
Photograph: Courtesy CC/Flickr/Esther Westerveld
19. Дональд Джадд, Untitled (Stack), 1967
голые предметы первой необходимости. Для Джадда скульптура означала выражение конкретного присутствия произведения в пространстве.
Эта идея была описана термином «конкретный объект», и в то время как другие минималисты восприняли ее, Джадд, возможно, придал этой идее самое чистое выражение, приняв коробку в качестве своей фирменной формы. Подобно Уорхолу, он производил их как повторяющиеся единицы, используя материалы и методы, заимствованные из промышленного производства. В отличие от консервных банок Уорхола и Мэрилин, искусство Джадда не относилось ни к чему, кроме самого себя. Его «стеки» — одни из самых известных его произведений. Каждая состоит из группы одинаковых неглубоких ящиков из оцинкованного листового металла, выступающих из стены и образующих колонну из равномерно расположенных элементов. Но Джадд, который начинал как маляр, интересовался цветом и текстурой так же, как и формой, что видно здесь по зеленоватому лаку для кузова, нанесенному на переднюю поверхность каждой коробки. Игра Джадда цвета и материала дает Untitled (Stack) изысканная элегантность, смягчающая абстрактный абсолютизм.
Фотография предоставлена CC/Flickr/Rocor
20.
Ева Хессе, Hang Up, 1966
Как и Бенглис, Гессе была женщиной-художницей, которая фильтровала постминимализм через, возможно, феминистскую призму. Еврейка, бежавшая из нацистской Германии в детстве, она исследовала органические формы, создавая изделия из промышленного стекловолокна, латекса и веревки, которые напоминали кожу или плоть, гениталии и другие части тела. Учитывая ее биографию, заманчиво найти скрытый смысл травмы или беспокойства в таких работах, как эта.
Реклама
Фотография предоставлена Музеем современного искусства
21. Ричард Серра, One Ton Prop (Карточный домик), 1969
Вслед за Джаддом и Флавином группа художников отошла от эстетики минимализма с чистыми линиями. Как часть этого постминималистского поколения, Ричард Серра поместил концепцию конкретного объекта на стероиды, значительно увеличив его масштаб и вес и сделав законы гравитации неотъемлемой частью этой идеи.
Он создал ненадежные уравновешивающие действия из стальных или свинцовых пластин и труб весом в тонны, что придавало работе ощущение угрозы. (В двух случаях такелажники, устанавливавшие детали Серры, были убиты или покалечены, когда конструкция случайно обрушилась.) В последние десятилетия работа Серры приобрела криволинейную утонченность, которая сделала ее чрезвычайно популярной, но на начальном этапе она работала как One Ton Prop (House of Cards), на котором изображены четыре свинцовые пластины, прислоненные друг к другу, передал его опасения с жестокой прямотой.
Фотография: предоставлено CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson
22. Robert Smithson, Spiral Jetty, 1970
Следуя общей контркультурной тенденции 1960-х и 1970-х годов, художники начали бунтовать против коммерциализации галереи. мира, развивая радикально новые формы искусства, такие как земляные работы. Ведущей фигурой этого жанра, также известного как ленд-арт, был Роберт Смитсон (1938–1973), который вместе с такими художниками, как Майкл Хейзер, Уолтер Де Мария и Джеймс Террел, отправился в пустыни на западе Соединенных Штатов, чтобы создать монументальные произведения, которые действовали в согласии со своим окружением.
Этот подход к конкретным участкам, как его стали называть, часто использовал материалы, взятые непосредственно из ландшафта. Так обстоит дело со Смитсоном 9.0071 Спиральная пристань , которая вдается в Большое Соленое озеро штата Юта от мыса Розел на северо-восточном берегу озера. Сделанный из грязи, кристаллов соли и базальта, добытых на месте, Spiral Jetty имеет размеры 1500 на 15 футов. Он был погружен под воду на десятилетия, пока засуха в начале 2000-х годов снова не подняла его на поверхность. В 2017 году Spiral Jetty был назван официальным произведением искусства штата Юта.
Реклама
Фото: предоставлено CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier
23. Луиза Буржуа, Паук, 1996
Фирменная работа французской художницы, Паук , была создана в середине 1990-х, когда Буржуа (1911–2010) было уже за восемьдесят. Он существует в многочисленных версиях разного масштаба, в том числе монументальных.
Паук задуман как дань уважения матери художника, реставратору гобеленов (отсюда намек на склонность паукообразных плести паутину).
Shutterstock
24. Энтони Гормли, Ангел Севера, 19 лет98
Лауреат престижной премии Тернера в 1994 году, Энтони Гормли — один из самых знаменитых современных скульпторов в Великобритании, но он также известен во всем мире своим уникальным подходом к фигуративному искусству, в котором широко варьируются масштабы и стиль основан, по большей части, на одном и том же шаблоне: слепок собственного тела художника. Это относится к этому огромному крылатому монументу, расположенному недалеко от города Гейтсхед на северо-востоке Англии. Расположен вдоль крупного шоссе, Ангел достигает 66 футов в высоту и 177 футов в ширину от кончика крыла до кончика крыла. По словам Гормли, работа задумана как своего рода символический маркер между индустриальным прошлым Британии (скульптура расположена в угольной стране Англии, в самом сердце промышленной революции) и ее постиндустриальным будущим.
Реклама
Предоставлено CC/Flickr/Richard Howe
25. Аниш Капур, Cloud Gate, 2006 г.0071 Облачные ворота
, центральное произведение искусства Аниша Капура для парка Тысячелетия Второго города, представляет собой как произведение искусства, так и архитектуру, обеспечивая арку, готовую для Instagram, для воскресных гуляющих и других посетителей парка. Модель Cloud Gate , изготовленная из зеркальной стали, благодаря отражающей способности и большому размеру является самым известным произведением Капура.
Предоставлено художником и Грином Нафтали, Нью-Йорк
26. Рэйчел Харрисон, Александр Македонский, 2007 г.
Работы Рэйчел Харрисон сочетают в себе непревзойденный формализм со способностью наполнять кажущиеся абстрактными элементы множеством значений, в том числе политическим. Она яростно ставит под сомнение монументальность и связанные с ней мужские прерогативы.
Харрисон создает большую часть своих скульптур, складывая и расставляя блоки или плиты из пенополистирола, а затем покрывая их смесью цемента и живописных завитков. Вишенка на торте — это какой-то найденный объект, либо один, либо в сочетании с другими. Ярким примером является этот манекен на вытянутой форме с брызгами краски. Работа в плаще и обращенной назад маске Авраама Линкольна возвышает теорию истории великого человека с ее воспоминанием о завоевателе Древнего мира, стоящем на скале клоунского цвета.
Подробнее
Посмотрите лучшие картины Пикассо
Электронное письмо, которое вам действительно понравится
Подпишитесь на нашу рассылку. Откройте для себя лучшее из города, в первую очередь.
Вводя свой адрес электронной почты, вы соглашаетесь с нашими Условиями использования и Политикой конфиденциальности, а также соглашаетесь получать электронные письма от Time Out о новостях, событиях, предложениях и рекламных акциях партнеров.