Годы жизни игорь старый: Князь Игорь | Читать биографии известных личностей РФ для школьников и студентов

Содержание

Северянин Игорь — биография поэта, личная жизнь, фото, портреты, стихи, книги

Свое первое стихотворение Игорь Северянин написал в восьмилетнем возрасте. В начале ХХ века он стал первым эстрадным поэтом, выступал со своими «поэзоконцертами» в разных городах России. В 1918 году на поэтическом вечере в петербургском Политехническом музее Северянина объявили «Королем поэтов» — он обошел всех участников, включая Владимира Маяковского.

«Я, гений Игорь-Северянин»

Игорь Северянин (урожденный Игорь Лотарев) родился в Петербурге. Уже в восьмилетнем возрасте он написал свое первое стихотворение — «Звезда и дева».

Между его родителями — военным инженером Василием Лотаревым и Натальей Лотаревой, происходившей из богатого дворянского рода Шеншиных, были сложные отношения. В 1896 году они разошлись. В этом же году отец будущего поэта ушел в отставку и вместе с сыном переехал в усадьбу Сойволе близ Череповца. Там Игорь закончил четыре класса реального училища, а весной 1903 года они с отцом уехали на Дальний Восток. Поездка через всю Россию вдохновила 16-летнего юношу, и он вновь стал писать стихи. Сначала любовную лирику, а с приближением Русско-японской войны — патриотические тексты.

В конце 1903 года Игорь Северянин переехал в Петербург к матери, разорвав отношения с отцом. Его Северянин больше не увидел: через год отец умер от туберкулеза.

Вадим Баян, Борис Богомолов, Анна Чеботаревская, Федор Сологуб, Игорь Северянин. 1913. Фотография: fsologub.ru

Игорь Северянин. 1933. Фотография: stihi-rus.ru

Алексис Раннит и Игорь Северянин. 1930-е. Фотография: pereprava.org

В 1905 году в солдатском журнале «Досуг и дело» появилось стихотворение Северянина «Гибель Рюрика» с подписью «Игорь Лотарев». На деньги дяди он начал выпускать тоненькие брошюры стихотворений и отправлял их в редакции, чтобы получить отзывы. Поэт вспоминал: «Одна из этих книжонок попалась как-то на глаза Н. Лухмановой, бывшей в то время на театре военных действий с Японией. 200 экземпляров «Подвига «Новика» я послал для чтения раненым солдатам. Но отзывов не было…» Всего поэт издал 35 брошюр, которые позже решил объединить в «Полное собрание поэз».

Вскоре Северянин познакомился со своим главным поэтическим учителем — Константином Фофановым, который позже представил его редакторам и писателям. День первой встречи с Фофановым был для Северянина праздником, который он ежегодно отмечал.

Тогда же поэт взял себе псевдоним — Игорь-Северянин. Поэт задумал именно такое написание — через дефис, однако в печати оно не закрепилось.

Примерно в это же время стали появляться первые заметки по поводу поэтических брошюр: «Было их немного, и критика в них стала меня слегка поругивать». Обругал поэта и Лев Толстой. В 1909 году писатель Иван Наживин привез в Ясную Поляну брошюру «Интуитивные краски» и зачитал некоторые стихотворения графу. «Чем занимаются!.. Это литература! Вокруг — виселицы, полчища безработных, убийства, невероятное пьянство, а у них — упругость пробки!» — сказал тогда Толстой. Негативный отзыв почтенного литератора вызвал волну интереса к творчеству Северянина: на каждую его брошюру в прессе появлялись комментарии (далеко не всегда положительные), поэта приглашали на благотворительные вечера, а журналы стали печатать его стихи. Игорь Северянин вошел в моду.

Я, гений Игорь-Северянин,
Своей победой упоён:
Я повсеградно оэкранен!
Я повсесердно утверждён!

«Ассоциация эгофутуризма» и поэзоконцерты

В 1910 году главное литературное течение начала XX века — символизм — стало переживать кризис: обнаружились внутренние противоречия и разные взгляды символистов на задачи искусства. Игорь Северянин выступил с идеей создания нового направления — эгофутуризма. В «Ассоциацию эгофутуризма» вошли поэты: Константин Олимпов и Иван Игнатьев, Вадим Баян и Георгий Иванов. В интервью одной белградской газете Игорь Северянин рассказал о создании нового направления и подчеркнул, что его «главной целью было утверждение своего «я» и будущего. А главной доктриной была «Душа-истина»». Кружок эгофутуристов существовал недолго: уже через год после его образования поэты разошлись, а Игорь Северянин написал «Эпилог эгофутуризма».

Еще более громкая известность пришла к Северянину после того, как в 1913 году вышел его первый том стихов «Громокипящий кубок», в издании которого поэту помогал писатель Федор Сологуб. В этом же году Северянин вместе с Федором Сологубом и Анастасией Чеботаревской совершил свое первое турне по России. В эти годы слава поэта граничила с идолопоклонничеством: поэзоконцерты, как называл их сам поэт, буквально ломились от публики, завороженной своеобразной музыкальной манерой чтения. Игорь Северянин выступал в длинном черном сюртуке. Меря сцену большими шагами, он читал поэзы нараспев, не смотря в зрительный зал. Поэт Абрам Арго в книге «Своими глазами: книга воспоминаний» писал о выступлениях Северянина:

«Большими аршинными шагами в длинном черном сюртуке выходил на эстраду высокий человек с лошадино-продолговатым лицом; заложив руки за спину, ножницами расставив ноги и крепко-накрепко упирая их в землю, он смотрел перед собою, никого не видя и не желая видеть, и приступал к скандированию своих распевно-цезурованных строф. Публики он не замечал, не уделял ей никакого внимания, и именно этот стиль исполнения приводил публику в восторг».

В разгар Первой мировой войны Игорь Северянин стал выпускать сборники один за другим: «Ананасы в шампанском», «Наши дни», «Поэзоантракт». Однако они уже не вызывали такого восторга, как «Громокипящий кубок». Критика ругала поэта за то, что он эпатировал публику, использовал множество иностранных и выдуманных слов. Поэт Валерий Брюсов отозвался о нем в статье 1915 года: «Как только Игорь Северянин берется за тему, требующую преимущественно мысли… бессилие его обнаруживается явно. Игорю Северянину недостает вкуса, недостает знаний».

Король поэтов Игорь Северянин

В январе 1918 года поэт перебрался из Петрограда с тяжело больной матерью, гражданской женой Еленой Семеновой и дочерью Валерией в небольшой поселок Тойла в Эстляндии (сегодня — Эстония). Спустя некоторое время он ненадолго съездил в Москву. 27 февраля в Большой аудитории Политехнического музея организовали поэтический вечер. Афиши висели по всему городу: «Поэты! Учредительный трибунал созывает всех вас состязаться на звание короля поэзии. Звание короля будет присуждено публикой всеобщим, прямым, равным и тайным голосованием. Всех поэтов, желающих принять участие на великом, грандиозном празднике поэтов, просят записываться в кассе Политехнического музея до 25 февраля».

Аудитория была переполнена: Владимиру Маяковскому, который в этот вечер читал «Революцию», едва хватало места, чтобы взмахнуть руками. Игорь Северянин явился под конец — в неизменном черном сюртуке, в своей привычной манере он нараспев прочел стихи из известного сборника «Громокипящий кубок» и победил. Публика наградила его титулом «Король поэтов». Маяковский стал вторым, Василий Каменский — третьим. В марте вышел в свет альманах «Поэзоконцерты», на обложке которого было указано: «Король поэтов Игорь Северянин».

Отныне плащ мой фиолетов,
Берета бархат в серебре:
Я избран королем поэтов
На зависть нудной мошкаре.

Вскоре после этого Игорь Северянин окончательно перебрался в Эстонию. В 1919 году прошел его первый эстонский поэзоконцерт в Ревеле (сегодня Таллин) в Русском театре. Когда Эстония в 1920 году объявила свою независимость, поэт оказался в статусе вынужденного эмигранта. Однако в СССР он не вернулся. В эмиграции Северянин переводил на эстонский язык стихи, сотрудничал с рижскими, тартускими, берлинскими и русскими газетами. За все время эмиграции Игорь Северянин дал около 40 поэтических концертов, выпустил 17 книг, среди которых: «Классические розы», «Роман в строфах» «Рояль Леандра», «Запевка», «Не более, чем сон».

Мария Домбровская. 1920-е. Фотография: passion.ru

Игорь Северянин. 1933. Фотография: russkiymir.ru

Фелисса Круут. 1940-е. Фотография: geni.com

В декабре 1921 года Северянин обвенчался с дочерью домовладельца Фелиссой Круут — это был единственный законный брак поэта. Круут тоже была писательницей. Она познакомила Игоря Северянина с популярными эстонскими литераторами, сопровождала его в поэтических поездках, помогала с переводами, делая для мужа подстрочники. Однако в 1935 году Северянин и Круут расстались, и поэт сначала переехал в Таллин, а затем в деревню Саркуль. В конце 30-х годов он практически не писал стихов, но переводил многих поэтов, в их числе — Адам Мицкевич, Христо Ботев, Пенчо Славейков и другие.

Скончался поэт после продолжительной болезни сердца 20 декабря 1941 года в Таллине, куда перебрался после того, как немцы оккупировали Эстонию. Он похоронен на Александро-Невском кладбище.

Лекция: «Игорь Северянин. Жизнь и творчество»
Лектор: Олег Клинг

Внешняя и внутренняя политика князя Игоря в 912–945 годах

После смерти Рюрика власть перешла к Вещему Олегу. Дружинник был регентом при малолетнем сыне первого правителя. До 34 лет законный наследник оставался в тени своего наставника. Во внутренней и внешней политике князя Игоря в 912−945 гг. были как провалы, так и значительные достижения. Он не боялся рисковать, часто действовал жестоко и бескомпромиссно. Этот государственный деятель является самой неоднозначной фигурой в истории России X века.

Исторический портрет правителя представлен в «Повести временны́х лет», византийских договорах и западноевропейских документах. До 34 лет князь Игорь не принимал прямого участия в управлении государством. Он помогал дружинникам в военных походах, упоминался в официальных документах, но все решения принимал Вещий Олег.

Игорь, по мнению большинства историков, был простым военачальником. Он не отличался выдающимся умом, терпением и милосердием. Благодаря своей дерзости и храбрости завоевал доверие в русской армии. Современники князя дали ему прозвище «Старый», которое указывало на принадлежность к роду основателей династии.

Внутренняя и внешняя политика Игоря была направлена на централизацию власти и расширение государственных границ. Новому князю досталась огромная страна, которая простиралась от Ладоги до Киева в длину, и от Мурома до Волыни в ширину. После смерти Вещего Олега, покорённые племена, решили выйти из состава государства.

Для усмирения бунтовщиков Игорь Старый предпринял несколько военных походов. Особенно жестоко он подавлял восстания древлян. Дружинники чинили грабёж, убивали местных жителей. Игорь обложил племя высоким налогом. Дань собиралась с апреля по ноябрь. Население отдавало меха, урожай, мёд, воск. Такая система налогообложения называлась полюдьем. Игорю Рюриковичу платили дань племена:

древлян,
дреговичей,
кривичей,
радимичей,
северян.

Мирный договор с Константинополем

В 944 году Игорь Рюрикович вновь собрал войско и флот. На этот раз он нанял не только представителей славянских племён, но и печенегов. Византийский император Роман не стал дожидаться нападения, а отправил послов навстречу Игорю. Князь согласился взять дань и вернулся в свою столицу.

Через год Роман отправил в Киев своих представителей для заключения нового мирного договора. В документе содержались следующие положения:

Заключался военный союз между Русью и Византией.
Прописывались принципы торговли.
Беспошлинная торговля отменялась.
Русь обязывалась не нападать на Херсонес и земли в устье Днепра.

Византийский император возобновил выплату дани, и торговые отношения между государствами наладились. Игорю удалось существенно расширить границы страны и обезопасить народ от нападений неприятеля.

Основные события и итоги внутренней и внешней политики Игоря в таблице.

Внутренняя политика	Внешняя политика
912 г. — подавление восстания древлян.	915−920 гг. — борьба с печенегами.
912−945 гг. — основание города Тмутаракань.	941 г. — первый поход на Византию. который закончился поражением русской армии.
945 г. — восстание древлян и убийство князя Игоря.	944 г. — второй поход в Константинополь и заключение мирного договора.

Правление Игоря Рюриковича длилось 33 года. В 945 г. он вместе с дружиной собирал полюдье с подвластных племён. Князь, подстрекаемый своими соратниками, решил взять дань с древлян дважды. Жители города Искоростень, которые и без того не любили правителя, взбунтовались. Местный князь Мал и его войско схватили Игоря и его дружинников и приговорили к смертной казни. Рюриковича привязали к верхушкам согнутых деревьев, а затем отпустили стволы. Тело правителя было разорвано на несколько частей.

Так нелепо закончилась жизнь первого наследного князя. Несмотря на множество провалов во внутренней и внешней политике, Игорь Рюрикович внёс большой вклад в развитие государства.

Игорь Стравинский | Биография, музыка и факты

Игорь Стравинский

Смотреть все СМИ

Дата рождения:: 17 июня 1882 г.
Ломоносов
Россия

Умер:: 6 апреля 1971 г. (88 лет)
Нью-Йорк
Нью-Йорк

Награды и награды:: Премия Грэмми (1967)
Премия Грэмми (1962)
Премия Грэмми (1961)

Известные работы:: струнный квартет
«Царь Эдип»
«Персефона»
«Реквиемные песнопения»
«Симфония до мажор»
«Симфония в трех частях»
«Жар-птица»
«Наводнение»
«Прогресс повесы»
«Обряд весны»
«Песня соловья»
«Свадьба»
«Трени»

Механизм/стиль:: Неоклассическое искусство

Просмотреть весь связанный контент →

Прочтите краткий обзор этой темы

Игорь Стравинский , полностью Игорь Фёдорович Стравинский , (род. 5 июня [17 июня по новому стилю] 1882, Ораниенбаум [ныне Ломоносов], под Санкт-Петербургом, Россия — умер 6 апреля 1971, Нью-Йорк , Нью-Йорк, США), родившийся в России композитор, чье творчество оказало революционное влияние на музыкальную мысль и мировосприятие непосредственно перед и после Первой мировой войны и чьи сочинения оставались пробным камнем модернизма на протяжении большей части его долгой творческой жизни. В 1919 году он был удостоен золотой медали Королевского филармонического общества.54 и премия Вихури Сибелиуса в 1963 году.

Отец Стравинского был одним из ведущих русских оперных басов своего времени, и смешение музыкальной, театральной и литературной сфер в семейном доме Стравинских оказало неизгладимое влияние на композитора. Тем не менее его собственные музыкальные способности проявлялись довольно медленно. В детстве ему давали уроки фортепиано и теории музыки. Но затем он изучал право и философию в Петербургском университете (окончил в 1905), и лишь постепенно он осознал свое призвание к музыкальному сочинению. В 1902 году он показал некоторые из своих ранних произведений композитору Николаю Римскому-Корсакову (чей сын Владимир был сокурсником-юристом), и Римский-Корсаков был настолько впечатлен, что согласился взять Стравинского в частные ученики, в то же время советуя ему не поступать в консерваторию для обычной академической подготовки.

Римский-Корсаков обучал Стравинского в основном оркестровке и выступал наставником начинающего композитора, обсуждая каждое новое произведение и предлагая предложения. Он также использовал свое влияние, чтобы заставить исполнять музыку своего ученика. Несколько студенческих произведений Стравинского исполнялись на еженедельных собраниях класса Римского-Корсакова, а два его произведения для оркестра — Симфония ми-бемоль мажор и «Фавн и пастушка» , вокальный цикл на слова Александра Пушкина — прозвучали в исполнении Придворного оркестра в 1908 году, в год смерти Римского-Корсакова. В феврале 1909 года короткая, но блестящая оркестровая пьеса Фантастическое скерцо была исполнена в Санкт-Петербурге на концерте, на котором присутствовал импресарио Сергей Дягилев, который был настолько впечатлен перспективами Стравинского как композитора, что быстро заказал несколько оркестровых аранжировок для оркестра. летний сезон его Ballets Russes в Париже. Для 19В 10 балетном сезоне Дягилев снова обратился к Стравинскому, на этот раз заказав партитуру для нового полнометражного балета на тему Жар-птицы.

Премьера оперы «Жар-птица » в Парижской опере 25 июня 1910 года имела ошеломляющий успех и в одночасье сделала Стравинского известным как одного из самых одаренных композиторов молодого поколения. Эта работа показала, насколько полно он усвоил яркий романтизм и оркестровую палитру своего мастера. Жар-птица был первым из серии захватывающих коллабораций Стравинского и труппы Дягилева. В следующем году состоялась премьера Ballets Russes 13 июня 1911 года балета «Петрушка » с Вацлавом Нижинским, исполняющим заглавную партию на музыку Стравинского. Тем временем у Стравинского возникла идея написать нечто вроде симфонического языческого ритуала под названием Великая Жертва . Результатом стал Весна священная ( Le Sacre du printemps ), состав которой растянулся на два года (1911–1913). Первое представление «Весна священная» в Театре Елисейских полей 29 мая 1913 года спровоцировало один из самых известных беспорядков в первую ночь в истории музыкального театра. Взволнованные необычной и многозначительной хореографией Нижинского и творческой и смелой музыкой Стравинского, публика во время спектакля аплодировала, протестовала и спорила между собой, создавая такой шум, что танцоры не могли слышать оркестр. Эта в высшей степени оригинальная композиция с ее изменчивыми и смелыми ритмами и неразрешенными диссонансами была вехой раннего модернизма. С этого момента Стравинский стал известен как «композитор «Весна священная » и деструктивный модернист по преимуществу. Но сам он уже отходил от таких постремантических излишеств, и мировые события ближайших лет только ускорили этот процесс.

Викторина «Британника»

Музыка: правда или вымысел?

Был ли Моцарт убит? Действительно ли Леди Гага родилась такой? А разве Jefferson Airplane начиналась как группа классической музыки? Установите счет с этой викториной.

Успехи Стравинского в Париже с «Русскими балетами» фактически вырвали его из Санкт-Петербурга. Он женился на своей двоюродной сестре Екатерине Носенко в 1906, а после премьеры «Жар-птица » в 1910 году он привез ее и двоих детей во Францию. Однако начало Первой мировой войны в 1914 году серьезно подорвало деятельность Русского балета в Западной Европе, и Стравинский обнаружил, что больше не может полагаться на эту труппу как на постоянный источник своих новых сочинений. Война также фактически высадила его в Швейцарии, где он и его семья регулярно проводили зимы, и именно там они провели большую часть войны. Русская революция 19 октября.17 окончательно погасили всякую надежду Стравинского на возвращение на родину.

К 1914 году Стравинский исследовал более сдержанную и строгую, но не менее яркую ритмику музыкального сочинения. В его музыкальном творчестве в последующие годы преобладают наборы коротких инструментальных и вокальных произведений, которые по-разному основаны на русских народных текстах и идиомах, а также на регтайме и других стилях западной популярной или танцевальной музыки. Он расширил некоторые из этих экспериментов до крупномасштабных театральных постановок. Свадьба , балетная кантата, начатая Стравинским в 1914 году, но завершенная только в 1923 году после многих лет неуверенности в ее инструментовке, основана на текстах русских деревенских свадебных песен. «Скотный дворовый бурлеск» Ренар (1916) также основан на русских народных идиомах, а «Солдатская сказка» (1918) — произведение смешанной техники с использованием речи, пантомимы и танца в сопровождении оркестра из семи человек, эклектично включает в себя рэгтайм, танго и другие современные музыкальные идиомы в виде серии очень заразительных инструментальных движений. После Первой мировой войны русский стиль в музыке Стравинского начал угасать, но не раньше, чем в 9-м веке был создан еще один шедевр.0045 Симфонии духовых инструментов (1920).

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.
Подпишитесь сейчас

В сочинениях первой зрелости Стравинского — от «Весны священной» в 1913 году до Симфоний духовых инструментов в 1920 году — используется модальная идиома, основанная на русских источниках, и для них характерно очень тонкое чувство неправильности размеров и синкопой и блестящим оркестровым мастерством. Но его добровольное изгнание из России побудило его пересмотреть свою эстетическую позицию, и результатом этого стало важное изменение в его музыке — он отказался от русских черт своего раннего стиля и вместо этого принял неоклассическую идиому. Неоклассические произведения Стравинского следующих 30 лет обычно берут какую-то точку отсчета в европейской музыке прошлого — произведение конкретного композитора, барокко или какой-то другой исторический стиль — в качестве отправной точки для очень личного и неортодоксального подхода, который, тем не менее, кажется, зависит от своей сути. полное влияние на восприятие слушателем исторической модели, из которой заимствовал Стравинский.

Стравинские покинули Швейцарию в 1920 году и жили во Франции до 1939 года, а Стравинский большую часть этого времени провел в Париже. (Он принял французское гражданство в 1934 году.) Потеряв свое имущество в России во время революции, Стравинский был вынужден зарабатывать на жизнь как исполнитель, и многие произведения, которые он сочинил в 1920-х и 30-х годах, были написаны для его собственного использования как концертирующий пианист и дирижер. Его инструментальные произведения начала 1920-х годов включают октет для духовых инструментов 9.0046 (1923), Концерт для фортепиано и духовых инструментов (1924), Соната для фортепиано (1924) и Серенада в A для фортепиано (1925). Эти изделия сочетают в себе неоклассический подход к стилю с тем, что кажется застенчивой строгостью линий и текстур. Хотя сухая вежливость этого подхода смягчается в таких более поздних инструментальных произведениях, как Концерт для скрипки ре мажор (1931), Концерт для двух фортепиано соло (1932–35) и Концерт ми-бемоль 9.0046 (или Dumbarton Oaks Concerto) для 16 духовых инструментов (1938 г.) сохраняется некоторая прохладная отстраненность.

В 1926 году Стравинский пережил религиозное обращение, которое заметно повлияло на его сценическую и вокальную музыку. Религиозный оттенок можно обнаружить в таких крупных произведениях, как оперная оратория «Царь Эдип » (1927 г. ), в которой используется либретто на латыни, и кантата «Симфония псалмов » (1930 г.), откровенно священное произведение, основанное на библейских тексты. Религиозное чувство проявляется и в балетах Apollon musagète (1928 г.) и Persephone (1934 г.). Русский элемент в музыке Стравинского время от времени возрождался в этот период: балет «Поцелуй феи » (1928) основан на музыке Петра Ильича Чайковского, а «Симфония псалмов » обладает некоторой античной строгостью русского православного пения, несмотря его латинский текст.

В годы после Первой мировой войны связи Стравинского с Дягилевым и Русскими балетами возобновились, но на гораздо более свободной основе, и единственным новым балетом, заказанным Дягилевым у Стравинского, был балет «

».0045 Пульчинелла (1920). Apollon musagète , последний балет Стравинского в постановке Дягилева, премьера которого состоялась в 1928 году, за год до смерти самого Дягилева и роспуска его балетной труппы.

В 1936 году Стравинский написал свою автобиографию. Как и его шесть более поздних совместных работ с Робертом Крафтом, молодым американским дирижером и ученым, работавшим с ним после 1948 года, эта работа фактически ненадежна. В 1938 году от туберкулёза умерла старшая дочь Стравинского, а в 19-м последовала смерть его жены и матери.39, всего за несколько месяцев до начала Второй мировой войны. В начале 1940 года он женился на Вере де Боссе, которую знал много лет. Осенью 1939 года Стравинский посетил Соединенные Штаты, чтобы прочитать лекции Чарльза Элиота Нортона в Гарвардском университете (позже опубликованные как Поэтика музыки , 1942), а в 1940 году он и его новая жена навсегда поселились в Голливуде, Калифорния. Они стали гражданами США в 1945 году.

В годы Второй мировой войны Стравинский написал два важных симфонических произведения, 9Симфония 0045 в C (1938–40) и Симфония в трех частях (1942–45). Симфония в C представляет собой суммирование неоклассических принципов в симфонической форме, в то время как Симфония в трех частях успешно сочетает в себе основные черты концерта с симфонией. С 1948 по 1951 год Стравинский работал над своей единственной полнометражной оперой «Прогресс повесы », неоклассическим произведением (с либретто У. Х. Одена и американского писателя Честера Каллмана), основанным на серии моралистических гравюр английского художника XVIII века. художник Уильям Хогарт. «Прогресс повесы» — пародийно-серьезная стилизация большой оперы конца 18-го века, но, тем не менее, типично для Стравинского в своем блеске, остроумии и утонченности.

Успех этих поздних произведений маскировал творческий кризис в музыке Стравинского, и его выходом из этого кризиса стало создание замечательного корпуса поздних сочинений. После Второй мировой войны в Европе возник новый музыкальный авангард, который отверг неоклассицизм и вместо этого заявил о своей верности серийным или 12-тоновым композиционным приемам венских композиторов Арнольда Шенберга, Альбана Берга и особенно Антона фон Веберна. (Серийная музыка основана на повторении ряда тонов в произвольной, но фиксированной схеме без учета традиционной тональности. ) По словам Крафта, вошедшего в дом Стравинского в 1948 и оставался его близким соратником до самой смерти композитора, осознание того, что его считали израсходованной силой, повергло Стравинского в глубокую творческую депрессию, из которой он вышел с помощью Крафта в фазу серийного сочинения в своей очень личной манере. . За серией осторожно экспериментальных произведений (Кантата , Септет , Памяти Дилана Томаса ) последовала пара гибридных шедевров, балет Агон (завершен 1957) и хоровое произведение Canticum Sacrum (1955), которые являются сериальными лишь с перерывами. Это, в свою очередь, привело к хоровому произведению Threni (1958), постановке библейских Плачей Иеремии, в котором строгий 12-тоновый метод композиции применяется к распевному материалу, основной характер которого напоминает характер таких более ранних хоровых произведений, как . Свадьба и Симфония псалмов . В его Движениях для фортепиано с оркестром (1959) и его оркестровых Variations (1964), Стравинский еще больше усовершенствовал свою манеру, применяя множество загадочных последовательных техник, чтобы поддержать музыку с возрастающей плотностью и экономичностью, обладающую хрупким алмазным блеском. Сериальные произведения Стравинского, как правило, намного короче его тональных произведений, но имеют более плотное музыкальное содержание.

Несмотря на посредственное здоровье (в 1956 году он перенес инсульт), Стравинский продолжал полномасштабную творческую деятельность до 1966 года.0046 (1966) — это глубоко трогательная адаптация современных сериальных техник к личному творческому видению, глубоко укоренившемуся в его русском прошлом. Это произведение — удивительная дань творческой энергии композитора в середине 80-х годов.

12-летний поиск фотографа, чтобы задокументировать ее жизнь, создает богатый портрет старения

Марна Кларк, которая документирует свое старение, говорит, что этим летом она отправилась на пляж, чтобы стать «единым целым с миром». Эта фотография «говорит о потере и о том, через что я прохожу», — говорит она. (Марна Кларк)

Десять лет назад, в возрасте 70 лет, Марне Кларк приснился сон. Она шла по тротуару и свернула за угол. Впереди она увидела конец пути и ничего дальше.

Это был поворотный момент для Кларк. «Я поняла: «Боже мой, я ближе к концу, чем к началу», — сказала она. Вскоре ею овладело желание изучить, как она выглядела в то время, и задокументировать результаты.

Кларк, профессиональный фотограф несколько десятков лет назад, взяла камеру и начала делать снимки ее лица, волос, глаз, рук, ног, ступней, рук и туловища. Во многих она была раздета. «Я изучала физическую сторону взросления, — сказала она мне.

Это был радикальный поступок: пожилые женщины практически незаметны в нашей культуре, а честные и несентиментальные портреты их тел почти никогда не встречаются.

Вскоре Кларк, живущая в Инвернессе, штат Калифорния, обратила внимание на своего партнера Игоря Сазевича, художника и архитектора, который на 11 лет старше ее, и начала записывать сцены их совместной жизни. В конце концов, она поняла, что на этих фотографиях они заметно постарели. И она понимала, что создает многолетний портрет старения.

Марна Кларк и Игорь Сазевич украсили свой дом на прошлое Рождество, когда он еще не чувствовал себя слишком плохо. «У Игоря был невероятно красивый дом, и он умел создавать уютные пространства из комнат с высокими потолками», — говорит Кларк. (Марна Кларк) Премия LensCulture Critics’ Choice Award присуждается 40 фотографам с пяти континентов. «В этих изображениях есть универсальность и смирение, которые напоминают нам о силе любви и хрупкости жизни», — написала Рея Комбс из Национальной портретной галереи Смитсоновского института, одна из судей.

Вначале некоторые люди были оскорблены изображениями, которые Кларк выставляла в галереях в районе залива Сан-Франциско, рядом с ее домом. «Я узнала, что есть табу на показ тел пожилых людей — некоторые люди были просто ошеломлены», — сказала она мне в телефонном разговоре.

Но многие люди в возрасте 50, 60, 70 и 80 лет выразили благодарность. «Я узнал, что пожилые люди умирают за какое-то признание и принятие, и что они хотят чувствовать себя замеченными — чувствовать, что они не невидимы», — сказал Кларк.

Искусство имеет много преимуществ в дальнейшей жизни как для творцов, так и для тех, кто любит свою работу. Он может улучшить здоровье, улучшая самочувствие, культивируя целеустремленность и противодействуя таким убеждениям, как предположение о том, что пожилой возраст определяется почти исключительно ухудшением и упадком, пишет д-р Джин Коэн в «Творческий век: пробуждение человеческого потенциала в Вторая половина жизни», опубликованной в 2000 году.

Коэн, психиатр, был первым директором Центра старения, здоровья и гуманитарных наук в Университете Джорджа Вашингтона и исполняющим обязанности директора Национального института старения с 19 лет.с 91 по 1993 год.

Электронная почта

Подпишитесь на бесплатный утренний брифинг KHN.

В 2006 году Коэн опубликовал результаты исследования «Креативность и старение», проведенного в Сан-Франциско; Бруклин, Нью-Йорк; и район Вашингтона, округ Колумбия. Были исследованы две группы пожилых людей: те, кто еженедельно участвовал в художественных программах, проводимых профессионалами, и люди, которые занимались своими обычными делами. Исследование показало, что люди из первой группы реже обращались к врачам, принимали меньше лекарств, были более активны и в целом имели лучшее физическое и психическое здоровье.

Для Кларк «перспектива» и «принятие своего тела таким, какое оно есть» были преимуществами ее 12-летнего проекта. По ее словам, будучи молодой женщиной средних лет, она была «одержима» своей внешностью и беспокоилась о ней. «Я думаю, что красота исходит от людей, когда они принимают себя такими, какие они есть», — сказала она мне. «Это изменило то, как я смотрю на себя и как я вижу других».

Вскоре после нашего первого разговора, в начале августа, Кларк, которой сейчас 82 года, оказалась в еще одном поворотном моменте со смертью 9-летней Сазевич.3, у которого была лимфома, и он отказался от химиотерапии. Пара была вместе с 2003 года, но так и не поженилась.

За последние месяцы Сазевич трижды падал, сломал бедро, заболел пневмонией в больнице и вернулся домой в хоспис. Когда он лежал в постели в свой последний день, получая морфий и окруженный семьей, две собаки, принадлежащие одной из его дочерей, подошли близко, проверяя его каждый час. В момент его смерти они зарычали, вероятно, потому, что «почувствовали изменение энергии», — сказал Кларк.

Когда ее партнер Игорь Сазевич лежал при смерти, Марна Кларк говорит, что она «разговаривала с ним и ласкала его». «Тогда я сидела с ним и держала его очень опухшие руки», — говорит она. «Снова и снова я говорила ему, что люблю его. Я знаю, что он меня услышал». (Марна Кларк)

«Это было потрясающе — я никогда в жизни не переживала ничего подобного», — сказала она о смерти Сазевич. «В той комнате было столько любви, что ее можно было порезать ножом. Я думаю, что это изменило меня. Это дало мне представление о том, что возможно с людьми».

Куда бы Кларк ни пошла в Инвернессе, она встречает людей, которые говорят ей, как они сожалеют о ее потере, и спрашивают, могут ли они помочь. «Я поражена заботой, которую изливают на меня мои друзья и семья», — сказала она мне. «Это похоже на огромные объятия».

Чтобы утешить пожилого человека, справляющегося с потерей, требуется сообщество, точно так же, как необходимо сообщество, чтобы вырастить ребенка. Кларк сказала, что она все еще «эмоционально вздымается и падает… задается вопросом, что такое смерть», когда переживает свою потерю.

В конце концов, сказала Кларк, она хочет возобновить работу над «Временем, каким мы его знаем». «Потому что речь идет о моем старении», — сказала она. «Мое старение. И это то, чему я привержен. Это дало мне цель. А когда вы стареете, вам нужно иметь что-то, что вы любите и что заставляет вас чувствовать себя живым».

Марна Кларк однажды утром сфотографировала рубашку своего партнера Игоря Сазевича, когда на нее сиял «этот прекрасный свет». По ее словам, эта фотография является символом его отсутствия. (Марна Кларк)

Нам не терпится узнать от читателей о вопросах, на которые вы хотели бы получить ответы, о проблемах, с которыми вы столкнулись, и о необходимых советах. в отношениях с системой здравоохранения. Посетите khn.org/columnists, чтобы отправить свои запросы или советы.

Джудит Грэм:
[email protected],
@judith_graham

Связанные темы

Свяжитесь с нами
Отправить подсказку

Поделись этой историей:

Мы хотим услышать от вас: свяжитесь с нами

Переиздать эту историю

Джудит Грэм

7 октября 2022 г.

Джудит Грэм

Получившаяся в результате коллекция, которую она назвала «Время, как мы его знаем», в этом году получила награду LensCulture Critics’ Choice Award, присужденную 40 фотографам на пяти континентах. «В этих изображениях есть универсальность и смирение, которые напоминают нам о силе любви и хрупкости жизни», — написала Рея Комбс из Национальной портретной галереи Смитсоновского института, одна из судей.

Вначале некоторые люди были оскорблены изображениями, которые Кларк демонстрировала в галереях в районе залива Сан-Франциско, рядом с ее домом. «Я узнала, что есть табу на показ тел пожилых людей — некоторые люди были просто ошеломлены», — сказала она мне в телефонном разговоре.

Искусство имеет много преимуществ в дальнейшей жизни как для творцов, так и для тех, кто любит свою работу. Он может улучшить здоровье, улучшая самочувствие, культивируя целеустремленность и противодействуя таким убеждениям, как предположение о том, что пожилой возраст определяется почти исключительно ухудшением и упадком, пишет д-р Джин Коэн в «Творческий век: пробуждение человеческого потенциала в вторая половина жизни», опубликованной в 2000 г.

Вскоре после нашего первого разговора, в начале августа, Кларк, которой сейчас 82 года, оказалась в еще одном поворотном моменте со смертью Сазевич, 9 лет.3, у которого была лимфома, и он отказался от химиотерапии. Пара была вместе с 2003 года, но так и не поженилась.

Чтобы утешить пожилого человека, справляющегося с потерей, требуется сообщество, так же как сообщество нужно, чтобы вырастить ребенка. Кларк сказала, что она все еще «эмоционально вздымается и падает… задается вопросом, что такое смерть», когда переживает свою потерю.

В конце концов, сказала Кларк, она хочет возобновить работу над «Временем, каким мы его знаем».